Diversas artistas nacionais ou internacionais expandiram a carreira musical para o universo da literatura
Julia Harumi Morita | @the_harumi
Publicado em 01/04/2021, às 17h02A música e a literatura são universos íntimos um do outro e frequentemente se misturam. As linhas ficam ainda mais tênues quando falamos de canções e poemas - há quem diga que as duas coisas não se distinguem e tudo que é música também é poesia.
E não é preciso se esforçar muito para encontrar um exemplo de compositor, cantor e poeta na história da música. Joni Mitchell, PJ Harvey, Alicia Keys, Halsey são algumas artistas que investiram na carreira literária.
Além delas, diversas outras cantoras brasileiras ou estrangeiras se aventuraram pelo universo da literatura e publicaram livros de poesia. Pensando nisso, listamos seis cantoras e poetas da cena nacional e internacional. Confira:
A madrinha do punk, Patti Smith, é um nome que não pode faltar quando falamos de músicos e poetas. A artista, que escrevia poemas antes de se tornar um ícone do rock, publicou inúmeros livros desde a década de 1970, como Seventh Heaven (1972), Early Work (1994) e Auguries of Innocence (2005). (Foto: Reprodução)
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Cada vez mais aclamada como compositora, Lana Del Rey lançou a coleção de poesias Violet Bent Backwards Over The Grass em 2020. O livro também ganhou uma versão em audiobook, a qual conta com a participação do produtor Jack Antonoff. (Foto: Robb Cohen / Invision / AP)
Em 2018, Florence Welch (Florence + The Machine) deu início à carreira literária dela com o livro Useless Magic, que conta com letras de música, poemas e desenhos. Segundo o The Guardian, "tanto a letra quanto a poesia em Useless Magic validam a escolha de Welch, oferecendo uma chance de apreciar no palco vazio da página em branco a delicadeza das palavras dela." (Foto: Getty Images /Ian Gavan)
No Brasil, Ana Carolina é uma das representantes desse grupo de cantoras e poetas. Em 2016, a artista publicou Ruído Branco, que reúne poemas, prosa e pinturas de uma das vozes mais marcantes da música brasileira. (Foto: Marcos Hermes / Divulgação)
Em fevereiro de 2021, Letrux publicou o segundo livro de poesia da carreira, Tudo Que Já Nadei, uma coleção de textos, poemas e pensamentos que sucede a obra Zaralha - Abri minha Pasta, de 2015. (Foto: Ana Alexandrino / Divulgação)
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Vencedora do prêmio Melhor Produtora Musical do WWE 2020 e Revelação do APCA 2019, a cantora Ana Frango Elétrico se lançou no mundo da literatura com o livro Escoliose: Paralelismo Miúdo (2020), o qual reúne reúne poemas, gravuras e ilustrações, segundo o Trabalho Sujo.
A música é inevitável. A mistura de sons, ritmos e melodias deu origem a uma das mais antigas artes conhecida pelo homem, presente nas culturas de todo o mundo, segundo uma pesquisa de Harvard. A humanidade canta para comunicar sentimentos, dançar de alegria, curar doenças e colocar seus bebês para dormirem.
A arte foi feita para expressar o mais complexo grau de criatividade do ser humano e por isso é comum que as obras transcendam as áreas categoricamente nomeadas - artes plásticas, arquitetura, cinema, pintura, e todos os outros nomes que definem esses campos abstratos.
A literatura, a arte de criar textos, frequentemente flerta com outros campos artísticos ou matérias de estudo para alcançar novos formatos de escrita e descrição. Aldous Huxley escreveu no livro Música na Noite: "Quando o inexpressável tinha que ser expressado, Shakespeare abaixava sua caneta e chamava pela música".
E Shakespeare não foi o único autor que compreendeu o poder da música nos textos e a utilizou para inspirar personagens e cenários ou para reger o ritmo das ações dentro de uma narrativa.
Confira aqui 7 grandes nomes da literatura mundial que produziram obras repletas de referências musicais:
Uma noite em Tokyo, sentado em uma mesa de bar, bebendo cerveja e ouvindo The Beach Boys em uma jukebox. É assim que Haruki Murakami convida o leitor para seu universo de realismo mágico, onde tudo pode ser banal ou excepcional.
O escritor japonês aficionado por música já confessou ter uma vasta coleção com cerca de 10 mil discos, em entrevista ao The New York Times. Partindo desse fato, não é nenhuma surpresa que um dos elementos comum entre suas obras seja a música.
Do rock clássico à música erudita, o autor cita diversas canções ao longo de suas narrativas, tanto para criar uma ambientação precisa, como no livro Norwegian Wood (1987) que dedica sua trilha sonora silenciosa aos Beatles; quanto para criar um símbolo, como em O Incolor Tsukuru Tazaki e Seus Anos de Peregrinação (2014).
Para os fãs do autor: Em seu site oficial estão disponíveis a relação de suas principais obras e as músicas citadas nelas. Confira aqui.
Filho de um cantor entusiasta, James Joyce herdou a paixão do pai pela música e estudou canto e piano quando ainda era criança. Seu vasto conhecimento musical foi essencial para definir estilo de escrita que oscilava entre o lirismo e o simbolismo.
O autor escreveu romances e poemas idealizados para serem músicas, que já foram compilados no CD Music From The Works of James Joyce, interpretadas pelo cantor Kevin McDermott e o pianista Ralph Richey. Elas também podem ser facilmente encontradas no Spotify.
A pequena aldeia na Irlanda em que nasceu é o local onde Joyce cria suas histórias. O autor utiliza o fluxo de consciência e letras de música, escritas por ele mesmo, como guia dos enredos.
Suas principais obras são: Música de Câmara (1907), Dublinenses (1914), Retrato do Artista Quando Jovem (1916), Ulisses (19922) e Finnegans Wake (1939), que recebe o nome de uma balada tradicional irlandesa.
Um dos grandes nomes da literatura brasileira moderna, Mário de Andrade foi, entre suas diversas ocupações, professor de música e um dos pioneiros no estudo da etnomusicologia, ciência que estuda a influência da música em um espaço cultural.
Um dos idealizadores da Semana de Arte Moderna de 1922, Andrade afirmava que “a língua brasileira é das mais ricas e sonoras”. Nas suas obras é perceptível a influência da música para criar uma nova estrutura de texto e personagens com uma estética autêntica e representativa na cultura brasileira.
Na poesia, o autor foi inovador na vanguarda futurista ao trazer conceitos musicais, melodia, harmonia e polifonia, para suas obras. Andrade dividia seus versos em três tipos: melódicos, harmoniosos e polifônicos, além de escrever indicações sonoras para eles. São alguns exemplos dessa fase poética: As Juvenilidades Auriverdes, Os Sandapilários Indiferentes e Minha Loucura.
Milan Kundera é outro artista que se aventurou no mundo da música e da escrita. Quando ainda era criança, ele aprendeu a tocar piano com seu pai, que era um dos grandes pianistas da Tchecoslováquia, e mais tarde estudou musicologia.
O autor já analisou o trabalho dos músicos Ludwig van Beethoven e Arnold Schoenberg, e até mesmo colocou partes de partitura entre seus textos, como no ensaio intitulado de Um Encontro (2009).
Em sua obra mais famosa, A Insustentável Leveza do Ser (1984), Kundera compara a vida humana com a música. “Elas são compostas como a música. Guiado por seu senso de beleza, o indivíduo transforma uma ocorrência fortuita (música de Beethoven, morte em um trem) em um motivo, que assume um lugar permanente na composição da vida do indivíduo”.
Homens na casa dos 30 anos enfrentando problemas emocionais são frequentemente os protagonistas das histórias do autor inglês Nick Hornby. Considerado uma das pessoas mais influentes na cultura britânica, sua carreira se destaca com os trabalhos cinematográficos, literários, musicais.
Na primeira obra, Alta Fidelidade (1995), a música está presente como uma obsessão do personagem principal, que tem que superar seus vícios emocionais para conseguir criar relações estáveis com as pessoas ao seu redor.
Fora do âmbito literário, Hornby colaborou com a banda Marah, com que se apresentou em alguns shows lendo textos de suas obras; e com o cantor Ben Folds, para quem escreveu as músicas do álbum Lonely Avenue.
Com citações de músicas no meio da narrativa, Thomas Pynchon, desenvolve uma linguagem própria dentro de uma escrita pós-moderna poética e picaresca, com personagens que se aventuram em suas próprias paranóias.
Em O Arco-Íris da Gravidade (1973), uma das maiores obras de ficção literatura inglesa, mais de 100 músicas são escritas por Pynchon em quase 800 páginas que contam a história de Tyrone Slothrop, que se encontra no meio de uma Europa devastada pela Segunda Guerra Mundial. Inspirada no livro, a banda The Thomas Pynchon Fake Book compôs músicas para as letras do autor.
Vício Inerente (2009) é o último livro publicado do autor e já faz parte de seus trabalhos notáveis. As referências musicais no enredo são das variadas, indo desde Chopin até The Beach Boys. E claro, também conta com canções originais.
O romancista Liev Tolstói,mundialmente conhecido por Guerra e Paz (1869) e Anna Karenina (1877), era um grande admirador da música erudita e dos artistas do seu tempo como Beethoven, Chopin, Haydn e Weber. O escritor russo, como a maioria dos membros de uma família nobre, estudou piano e chegou a escrever a valsa, chamada "Waltz in F".
Tolstói define a música como “um meio de despertar sentimentos sólidos familiares ou transmiti-los”. O escritor cita diversas vezes as sonatas de Beethoven, como por exemplo no livro A Sonata a Kreutzer (1890), em que aborda o tema do casamento e da sexualidade através do personagem Pozdnyshev que assassina sua esposa, uma amante da música clássica.
Outra obra que faz referência ao músico clássico é a A Felicidade Conjugal (1859), onde a heroína da narrativa cita a música "Quasi una fantasia" e proclama que Beethoven a "eleva a uma altura radiante".