As 17 melhores atuações no cinema em 2025, segundo Rolling Stone

Uma mãe em luto por uma perda inimaginável. Outra mãe que perde a sanidade. Um anjo que perde as asas. Um detetive de cidade pequena tentando solucionar um assassinato usando saltos clickity-clack. Uma visitante indesejada com poderes de persuasão surpreendentemente potentes. Não um, mas dois eremitas estoicos que vivem na floresta e que, eventualmente, precisam encontrar o caminho de volta à sociedade. Não um, mas dois irmãos gêmeos idênticos com ambições empresariais — e que, em algum momento, precisam enfrentar uns sanguessugas bem desagradáveis.

Essas foram algumas das interpretações que nos fizeram rir, chorar, prender a respiração e, em vários casos, aplaudir espontaneamente. 2025 foi um ano ótimo para o cinema — e excelente para atuações extraordinárias, excêntricas e, às vezes, completamente insanas, vindas tanto de veteranos quanto de novas superestrelas. Alguns foram protagonistas. Outros roubaram a cena (ou até mastigaram o cenário) em papéis coadjuvantes. Você verá vários duos aqui, com ambos os intérpretes brilhando — e, se o número 17 parecer estranho à primeira vista, é porque estamos contando um ator que interpretou dois papéis distintos duas vezes. Mas todos eles nos deixaram hipnotizados assim que as luzes se apagaram.

Abaixo, veja as 17 melhores atuações no cinema em 2025, segundo Rolling Stone:

Michael B. Jordan, ‘Pecadores’

Retratar gêmeos idênticos costuma ser um item de “lista dos sonhos” para muitos atores, embora o público geralmente se preocupe mais com o “como eles fizeram isso?” nas cenas em que alguém contracena consigo mesmo. Mas, ao ver o que Michael B. Jordan faz na épica história de Ryan Coogler sobre blues sulista e sanguessugas (tanto os sobrenaturais quanto os humanos), surge apenas uma pergunta: estou assistindo a dois atores diferentes? O astro faz um trabalho tão incrível ao dar vida aos irmãos Moore — Smoke, ironicamente o mais sólido e centrado dos dois, e seu irmão imprevisível, Stack — que o título desta entrada deveria, tecnicamente, dizer “Michael B. Jordan e Michael B. Jordan, Pecadores.” Aqui, ele entrega grandes performances, no plural, por isso o contamos duas vezes. Mas o feito não para na distinção entre esses dois donos de juke joint, cuja festa de inauguração se transforma em um massacre digno do Grand Guignol. Quando Smoke finalmente entra em confronto com o irmão, há um instante em que ele hesita em estacá-lo. Stack então o perdoa pelo que ele precisa fazer — e, de repente, você não vê mais os litros de sangue ao redor. Você só vê o coração do filme.

Jessie Buckley, ‘Hamnet: A Vida Antes de Hamlet’

Muita gente vai elogiar a adaptação que Chloé Zhao fez do best-seller de Maggie O’Farrell nos próximos meses. Mas a atuação de Jessie Buckley será comentada por anos — é o tipo de trabalho que mistura nuance e expressionismo pleno, momentos silenciosos e gritos de cortar a alma. O uivo de angústia que sua personagem, Agnes, solta ao reconhecer a morte do filho é devastador. O carinho que ela tem pelos filhos e a raiva direcionada ao marido William (sim, aquele Shakespeare), sem falar no mundo cruel o suficiente para lhe roubar uma criança, são calibrados com precisão para partir até o coração mais nobre. E quando Agnes entra, atordoada e perdida, no Globe Theatre para assistir Hamlet e experimentar algo próximo da catarse, Buckley consegue fazer você enxergar uma luz saindo de dentro dela. A atriz irlandesa já criou dezenas de personagens quebrados, excêntricos, ousados e até bizarros ao longo da última década, mas o que ela faz aqui parece sem precedentes. Redefine suas expectativas sobre como interpretar alguém que está redescobrindo a própria alma.

Sean Penn e Teyana Taylor, ‘Uma Batalha Após a Outra’

Você não encontrará um elo fraco no elenco do poderoso drama de Paul Thomas Anderson sobre amor paternal e resistência política — poderíamos dedicar a lista inteira apenas a esse time, de Benicio del Toro e Regina Hall em atuações firmíssimas até a forma como o veterano do SNL Jim Downey transforma a frase “lunáticos, haters e lixo punk” em um verdadeiro banquete cômico. Mas é o casal improvável que domina o primeiro quarto da obra-prima de PTA que ainda nos deixa obcecados, mesmo após quatro (e contando) sessões. Há um motivo para Teyana Taylor ser a primeira pessoa que você vê em cena, avançando com precisão e propósito: ela é quem deve liderar a revolução por todos os meios necessários. E quando ela encontra seu oposto moral no supremacista branco interpretado por Sean Penn, você espera que ela elimine o inimigo sem hesitar. Em vez disso, ela deixa esse militar machista em estado de obsessão priápica. Isso será a ruína de ambos. Um desses atores está mais afinado do que vimos em anos; o outro está apenas começando uma carreira que promete que ainda não vimos nada. Um aparece do começo ao fim; o outro sai de cena após o primeiro ato. Mas a química — intensa e imediata — entre os dois é o que coloca toda essa batalha em movimento perpétuo.

Jennifer Lawrence, ‘Morra, Amor’

“Destemida”, “corajosa”, “implacável”, “ousada”, “intrépida” — adjetivos assim são usados à exaustão ao elogiar atuações no cinema. O que Jennifer Lawrence faz na crônica de Lynne Ramsay sobre uma nova mãe perdendo lentamente a sanidade certamente se encaixa em todas essas descrições. Mas a palavra que vem à mente ao assistir à estrela abraçar uma loucura cada vez mais total é “livre”. Não é apenas o fato de Lawrence ficar empoleirada em uma prateleira em uma geladeira aberta, cuspindo cerveja como uma fonte. Ou de ela rastejar de quatro, farejando o parceiro como uma pantera no cio. Ou mesmo de enfiar distraidamente uma faca no chão enquanto a outra mão desliza por dentro da calça. É que você está testemunhando um tipo de fluxo absoluto, normalmente associado a solistas de jazz ou atletas profissionais. Lawrence está liberta de qualquer noção de decoro ou autoconsciência aqui. Está 100% comprometida em encarnar uma mulher que não está mais à beira de um colapso nervoso — mas já profundamente mergulhada nele.

Daniel Day-Lewis, ‘Anemone’

Dizem que a gente só dá valor quando perde — e ver Daniel Day-Lewis, interpretando um ex-soldado britânico vivendo em autoexílio no longa de estreia de Ronan Day-Lewis, só reforça por que seus oito anos longe das telas empobreceram o cinema. O vencedor do Oscar e Melhor de Todos os Tempos das telas tem uma reputação merecida como um dos atores mais fascinantes e camaleônicos de todos os tempos, mas você jamais o acusaria de se apoiar nessa fama aqui. Das primeiras cenas em que seu eremita estoico recebe com cautela o irmão (Sean Bean) em seu chalé rural até o hilariamente sujo monólogo sobre vingança escatológica, Day-Lewis está completamente afinado, entregue a essa alma perdida, oferecendo algo que parece ao mesmo tempo tecnicamente minucioso e absolutamente espontâneo. Esperamos que seja o início de um novo capítulo na carreira da lenda. Se for mesmo sua despedida, é um canto do cisne e tanto.

Michael Fassbender e Cate Blanchett, ‘Código Negro’

O thriller de espionagem acelerado de Steven Soderbergh coloca todo o elenco à prova, movimentando cada personagem pelo tabuleiro de “descubra o infiltrado” com a habilidade característica do cineasta. No fundo, porém, trata-se de um drama de duas mãos — e é impossível exagerar o quanto Michael Fassbender e Cate Blanchett são fundamentais para fazer tudo funcionar. Batizado com o código que o casal usa para “não pergunte, não conte” sobre suas respectivas missões nas agências de inteligência, Código Negro é tanto um testemunho da dinâmica de um casamento em pleno funcionamento quanto um caldeirão spy versus spy — o tipo de filme que tanto Ian Fleming quanto Ingmar Bergman adorariam. Ele é encarregado de descobrir quem está vazando segredos de Estado dentro da organização. Ela é a principal suspeita. E a maneira como Fassbender e Blanchett extraem, ao mesmo tempo, a paixão e a desconfiança mútua entre seus personagens é o combustível de cada reviravolta. A química é perceptível desde o primeiro instante, sendo a única coisa mais potente em sua casa do que o soro da verdade que oferecem aos convidados do jantar. Que façam juntos mais mil filmes como este.

Joel Edgerton, ‘Train Dreams’

A novela de 2011 de Denis Johnson descreve o trabalhador do início do século XX, Robert Granier, como alguém “sobre quem talvez pudesse ter sido dito, embora nunca tenha sido dito, que pouco o interessava”. Em outras palavras: um completo Zé Ninguém, apenas atravessando a vida mesmo quando a tragédia bate à porta. Porém, nas mãos calejadas de Joel Edgerton, Granier se torna não apenas um representante silencioso dos lenhadores, operários ferroviários e outros trabalhadores estoicos que construíram os Estados Unidos, mas o herói discretamente nobre de sua própria história. O ator australiano sempre foi uma presença robusta, ideal para papéis de policiais, soldados, lutadores e outros tipos durões; quando recebe a chance de ir além em filmes como Guerreiro ou Loving, fica claro que há muito talento ali ainda não explorado. A adaptação de Clint Bentley para o livro de Johnson aproveita ao máximo a capacidade de Edgerton de sugerir mais com menos. E quando ele revela finalmente a vulnerabilidade de Granier ao confrontar suas emoções — e o assombro que sente ao contemplar a beleza do mundo — o resultado é ao mesmo tempo devastador e inspirador.

Amy Madigan, ‘A Hora do Mal’

Quando você é formalmente apresentado à Tia Gladys de A Hora do Mal — hóspede indesejada, praticante das artes sombrias, inspiração instantânea para milhares de fantasias de Halloween — já viu relances recorrentes daquela figura estranha rondando pelas vinhetas do filme, acenando, sorrindo e emanando uma vibe pesada de Coringa. Nem esse prenúncio prepara você para a cena na sala do diretor, em que finalmente recebemos a dose completa de Gladys: raramente insistência educada, desvios constantes e uma aplicação de blush de dez toneladas pareceram tão ridículos e ameaçadores ao mesmo tempo. Esse é o gênio da atuação de Amy Madigan em poucas palavras — a atriz veterana sabe exatamente onde fica o ponto intermediário entre o camp e o “assustador pra cacete”, e planta raízes nesse lugar durante todo o filme de terror de Zach Cregger. E isso antes mesmo de descobrirmos o que Gladys realmente está tramando — ou daquela tríplice e merecida reviravolta de vingança que ela recebe no clímax insano. Esse papel poderia ter sido apenas uma vilã caricata de peruca vermelha. Madigan é quem o eleva, mantendo-o no limite do exagero sem nunca diminuir o domínio parasitário de Gladys.

Jacob Elordi, ‘Frankenstein’

Guillermo del Toro disse que escalou o ator australiano Jacob Elordi como “a criatura” em seu projeto dos sonhos — planejado por décadas — por causa dos seus olhos. A decisão faz todo sentido quando você vê como o astro de Saltburn se apoia em expressões mudas de dor e fúria. Quando sua monstruosidade evolui para um pária eloquente preso em um loop de crise existencial, Elordi adota um rosnado profundo e gutural e uma postura que sugere vergonha, ressentimento e prontidão para atacar. Ainda assim, há sempre algo infantil tanto em sua raiva quanto em sua carência, fruto de ter sido privado do mínimo de humanidade por seu criador. E nem vamos começar sobre como ele e Mia Goth transformam seu primeiro encontro em algo ao mesmo tempo ternamente maternal e desconfortavelmente edipiano.

Lee Byung-hun, ‘No Other Choice’

Ele entra no filme como um profissional de primeira linha, com uma vida de classe média perfeitamente arrumada, e sai como o último homem de pé (não precisa nem apagar a luz ao sair da fábrica — isso a IA faz por ele). Entre esses dois momentos, o gerente da empresa de papel interpretado por Lee Byung-hun será forçado a mentir, trapacear, roubar, matar e até [suspiro] cancelar a assinatura da Netflix da família, porque tempos desesperadores exigem medidas verdadeiramente desesperadas. A ácida adaptação de Park Chan-wook para o romance The Ax, de Donald Westlake, não apenas reúne o diretor ao astro de Zona de Risco, como permite que Byung-hun exerça seu timing de comédia física e mergulhe no lado mais sombrio de um assalariado forçado a uma batalha darwinista até o fim. Para quem só conhece o ator por seu papel de grande vilão em Round 6, seu trabalho nesta sátira negríssima parecerá uma revelação. Para fãs que acompanham sua carreira, vê-lo subverter expectativas, dominar sequências de humor físico e, por fim, assumir seus instintos assassinos comprova que ele encontrou um papel que realmente faz jus ao seu talento.

Margaret Qualley, ‘Honey Don’t!’

Claro, a ficção pulp sáfica de Ethan Coen e Tricia Cooke pode ter sido um tanto decepcionante, para dizer o mínimo. Mas não subestime a detetive espirituosa de Margaret Qualley — uma atualização totalmente sui generis de um arquétipo clássico. A maneira como Qualley encontra o ponto exato entre o screwball e o hardboiled ao interpretar a investigadora particular queer Honey O’Donoghue faz o filme deslizar por uma infinidade de trechos irregulares. Estamos acostumados a ver pessoas em neonoirs fazendo variações das interpretações de Humphrey Bogart e Lauren Bacall; ninguém havia conseguido fundir as personas dos dois ícones em um único papel, tornando-o completamente próprio, até agora. É uma combinação perfeita entre intérprete e personagem, o suficiente para fazer desejar que o veículo que Qualley dirige fosse um pouco menos cambaleante.

Keanu Reeves, ‘Quando o Céu se Engana’

Você pode se perguntar: preciso ver uma versão de Asas do Desejo em que o ser celestial que anseia ser humano é interpretado pelo baixista do Dogstar? Pessoalmente, diríamos “não” — até vermos o que Keanu Reeves faz no papel de um anjo condenado a cumprir pena como mortal na Terra e, meu Deus, como teríamos errado. A releitura torta de Aziz Ansari sobre A Felicidade Não Se Compra, em que seu trabalhador da gig economy ganha a chance de virar um ricaço e o milionário de tecnologia de Seth Rogen tem que lutar para sobreviver, já é boa o bastante. Mas Reeves é tão engraçado, tão sublime e tão absurdamente preciso ao interpretar um benfeitor celestial cujo plano troca-de-lugares sai completamente dos trilhos que ele acaba enfiando o filme no bolso do sobretudo — estilo Constantine — e indo embora com ele. Muito disso está nas suas reaction shots, que variam do deadpan perfeito à frustração que cresce lentamente; assim que ele é forçado a se tornar humano como penitência, Reeves transforma cada nova sensação, cada novo inferno de decepção, em uma pequena cena de comédia. Veja seu rosto se iluminar ao tomar milkshakes e comer tacos pela primeira vez — e tente não rir quando alguém o critica por começar a fumar e ele retruca: “Me deixa, eu gosto, é tudo o que eu tenho!” Genial.

Liev Schreiber e Vincent D’Onofrio, ‘Ladrões’

O thriller acelerado e nostálgico dos anos 1990 de Darren Aronofsky pode ser lembrado como o filme que permitiu que Austin Butler deixasse para trás os maneirismos method de Elvis e provasse seu talento como um galã à moda antiga. Mas, para nós, são os vilões que dominam o terceiro ato que realmente ficam na memória. Há irmãos que misturam o pessoal e o profissional — e há os irmãos Drucker. Lipa (Liev Schreiber) e Schmully (Vincent D’Onofrio) formam um par de mafiosos hassídicos homicidas que ainda arrumam tempo para visitar a bubbe a caminho de um massacre. A química entre esses dois atores veteranos transforma o que poderia ter sido caricaturas perigosamente problemáticas em um dueto de primeira linha, como Abbott e Costello com payot e silenciadores. A presença crescente deles na meia hora final é mais do que bem-vinda — e, caso Aronofsky tenha uma ideia para um prelúdio centrado nos Drucker, fica registrado que nosso talão de cheques já está na mesa.

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