As 50 melhores músicas de Elton John, segundo Rolling Stone

Pop açucarado, country soul autêntico, narrativas poéticas profundas, músicas de rock’n’roll exageradas: algum artista da era de ouro dos cantores-compositores dos anos 60 e 70 já dominou todas essas artes com a extravagância majestosa de Sir Elton Hercules John? A concorrência é mínima, na melhor das hipóteses. Sua habilidade no piano e senso melódico misturavam técnica clássica europeia com toques de jazz e o rock’n’roll country de Jerry Lee Lewis e Little Richard, com um senso de estilo e apresentação ousados que pegou muito emprestado de Richard.

Você consegue ouvir a história de vida do artista nascido Reginald Kenneth Dwight em sua música — estudando Chopin, Bach e Beethoven precocemente, um pré-adolescente na Academia Real de Música; apaixonando-se perdidamente pelo R&B e soul americanos; formando uma banda de blues elétrico, Bluesology, em 1962, o ano em que completou 15 anos; tocando em clubes frequentados pelos Beatles e Rolling Stones; idolatrando-os ao lado dos Beach Boys, Bob Dylan, The Band e Leon Russell enquanto o rock explodia no final dos anos 60. Ele decidiu seguir carreira solo. Mudou seu nome. E logo, muitos de seus heróis o reconheceram como um igual.

Desde cedo, explorando seus pontos fortes como intérprete e compositor, ele uniu-se ao letrista Bernie Taupin para formar uma das grandes parcerias de composição do século XX — na tradição de Rodgers e Hammerstein, Leiber e Stoller, Bacharach e David, e os Gershwins, ficando lado a lado com Lennon-McCartney, Jagger-Richards, Garcia-Hunter, qualquer um que você possa nomear. Taupin escrevia as palavras, sob o encanto de Dylan e gravações clássicas de country (de Marty Robbins, Johnny Horton, Lefty Frizzell e, em particular, dos Louvin Brothers).

Elton compunha músicas sob medida, com refrões irresistíveis e detalhes elegantes, criando canções que se encaixavam perfeitamente nele, interpretando-as com falsetes floreados e solos de piano marcantes. Além de tudo isso, Elton foi um dos maiores artistas de palco da história da música pop, com um senso de moda que rivalizava com o de David Bowie, Cher e George Clinton em seus momentos mais insanos, inspirando, por sua vez, artistas mais jovens, de Lady Gaga a Lil Nas X. Seu clássico de 1970 “Your Song“, de seu segundo álbum homônimo, alcançou o topo das paradas internacionais naquele ano. Dezoito meses depois, “Rocket Man” começou sua trajetória no Top 10, marcando seus primeiros números um logo depois com “Crocodile Rock” e “Bennie and the Jets“. Mas, como esta lista mostra, suas canções lado B são igualmente poderosas. Singles e faixas de álbuns são apenas parte de sua história de sucesso.

Desde sua trilha sonora de 1971 para o filme Amigos e Amantes, ele compôs para cinema e teatro: veja Aida, de Elton John e Tim Rice (1999), Billy Elliot: O Musical, e, mais notavelmente, O Rei Leão (1994), escrito com o letrista teatral Sir Tim Rice (Jesus Cristo Superstar). O filme vendeu milhões de cópias e conquistou vários prêmios Oscar, Grammy e Globo de Ouro — e isso antes de ser transformado na produção teatral de maior bilheteria da história da Broadway e ganhar outra versão cinematográfica, com mais duas trilhas sonoras, incluindo uma liderada por Beyoncé.

Igualmente notável, para um garoto meio nerd do subúrbio londrino de Pinner, é o quão legítima sua música se provou para artistas de soul americanos, incluindo muitos que ele idolatrava. Aretha Franklin assumiu a coautoria de “Border Song (Holy Moses)” em seu marco de 1972 Young, Gifted and Black; o cantor de baladas soul Walter Jackson aumentou a temperatura em “Someone Saved My Life Tonight” para seu LP de 1976, Feeling Good; e os gurus do soul da Filadélfia, MFSB, regravaram e endossaram o tributo de Elton ao som da Filadélfia, “Philadelphia Freedom“, chegando a nomear um álbum em sua homenagem. Mais recentemente, Yola gravou uma versão lindamente visceral de “Goodbye Yellow Brick Road“.

Paralelamente ao álbum Duets (1993) de Elton, diversos álbuns tributo contam o impacto das composições de John-Taupin em gerações de artistas em múltiplos gêneros e continentes. Em Revamp: Reimaginnng the Songs of Elton John & Bernie Taupin (2018), Florence Welch interpreta “Tiny Dancer” com orquestra, coral e uma sensualidade digna da Rainha Anne, enquanto Ed Sheeran transformou “Candle in the Wind” em uma charmosa cantoria irlandesa ao redor da fogueira. Kate Bush também fez sua versão em Two Rooms: Celebrating the Songs of Elton John and Bernie Taupin (1991), e em Restoration: Reimagining the Songs of Elton John and Bernie Taupin (2018) com influências country, Miranda Lambert — cujo pai era policial antes de se tornar detetive particular — cantou talvez a versão mais convincente da favorita “My Father’s Gun“, um clássico de Dylan, de todos os tempos.

Elton também tem sido ativista e filantropo, com foco em questões na comunidade LGBTQ+. A Fundação Elton John para a AIDS, que ele fundou em 1992, estave entre as primeiras e mais importantes organizações a conscientizar sobre a doença e arrecadar fundos para combatê-la. Sua abordagem para promover a tolerância não agradou a todos — particularmente a vez em que tocou no casamento do magnata da mídia de direita Rush Limbaugh para uma plateia incluindo Clarence Thomas. “Provavelmente sou o homossexual mais famoso do mundo, e adoro isso. Com isso, tenho uma responsabilidade, e às vezes incomodo outros homossexuais”, ele explicou a Austin Skaggs nestas páginas em 2011. “Mas tento fazer o que acredito ser certo.”

Agora que Elton completou sua turnê de despedida Farewell Yellow Brick Road, após mais de 300 shows, ele está se acomodando em sua posição de eminência parda da comunidade LGBTQ+, exercendo seus deveres de estadista veterano com uma devoção especial aos artistas mais jovens, nascido de uma carreira abençoada com muitos mentores e apoiadores: de Leon Russell (que levou a banda novata de Elton como atração de abertura em 1970) e Long John Baldry (o “Sugar Bear” de “Someone Saved My Life Tonight“, um colega músico que ajudou Elton a lidar com sua identidade como homem gay) a Ray Charles, Aretha Franklin e outros, cuja aceitação o encorajou, assim como a Taupin, em seus primeiros dias. Embora Elton tenha tido suas brigas, mais famosamente com os Stones (seu apelido “a Vad*a”, imortalizado em “The Bitch is Back“, não é à toa), ele é geralmente tão amado por colegas músicos quanto por fãs. Billie Eilish e Rina Sawayama o consideram um querido amigo e apoiador. Ele elogiou Lorde e a banda independente Real Estate, gravou com Dua Lipa, Eminem, Miley Cyrus, Ed Sheeran e Brandi Carlile, que o chama de “meu maior herói de todos os tempos.”

Na última checagem, Elton gravou cerca de 30 álbuns de estúdio, mas adicione colaborações, compilações, trilhas sonoras, EPs e coleções natalinas, e você tem cerca de 75 lançamentos, sem contar os singles — muitos são ótimos, muitos não são (como ele mesmo admitirá), mas ele ainda consegue entregar um bom trabalho; veja o lançamento duplo de 2021 The Lockdown Sessions e Regimental Sgt. Zippo, seu LP inédito que quase completou o Sgt. Pepper, gravado por volta de 1967-68. E embora ele possa ter se despedido dos palcos, pode muito bem haver mais canções por vir. Aqui estão 50 razões pelas quais nunca pararemos de ouví-lo.

50. “Cold Heart” Pnau Remix com Dua Lipa (2021)

Esta joia de discoteca intimista é uma fusão de “Rocket Man“, indiscutivelmente a maior canção de Elton, e da joia mais recente “Sacrifice“, com pedaços de “Where’s the Shoorah?” e “Kiss the Bride” adicionados para dar um toque extra. Criada pelo trio australiano de música eletrônica Pnau, com a amiga e conterrânea de Elton, Dua Lipa, cantando o refrão de “Rocket Man“, a faixa foi lançada em 2021 no álbum The Lockdown Sessions, durante o segundo verão da pandemia, e chegou ao topo das paradas no mundo todo, tornando-se possivelmente a música mais tocada de Elton da história, com mais de 2 bilhões de reproduções apenas no Spotify, segundo a última contagem. O presente pandêmico gerou também uma versão acústica, provando que sua construção era tão impecável fora da pista de dança (reais ou imaginárias).

49. “My Quicksand” (2013)

A produção de Elton no século XXI é escassa em termos de álbuns de alta qualidade, como até mesmo o letrista e parceiro de longa data, Taupin, reconheceu em sua autobiografia — observando, no entanto, que o “melhor do grupo foi provavelmente The Diving Board, de 2013”. Produzido pelo minimalista de estúdio T Bone Burnett (que também comandou a colaboração de Elton com seu ídolo e amigo Leon Russell, The Union), as letras deste destaque estão entre as melhores da fase recente de Taupin, o lamento de um homem evidentemente habilidoso em desastres causados ​​por si mesmo (“​​So don’t you know I’ve been dressed to kill/If you got the tools be careful what you build”, em tradução livre: “Então você não sabe que eu me visto para matar/Se você tem as ferramentas, tenha cuidado com o que constrói”). Centrada em Elton e seu piano, a música apresenta um interlúdio impressionantemente jazzístico com a bateria de Jay Bellerose e o baixo de Raphael Saadiq — uma demonstração de virtuosismo à moda antiga por um pianista que adora exibir suas credenciais musicais.

48. “Original Sin” (2001)

Supostamente sobre o breve casamento de Elton com a engenheira de som alemã Renate Blauel, com quem se casou em 1984 durante sua luta contra o vício, este destaque do álbum Songs From the West Coast, de 2001, tem arranjos de Paul Buckmaster, colaborador de longa data de Elton e arranjador de cordas conhecido por seu trabalho com David Bowie (“Space Oddity”) e Leonard Cohen (Songs of Love and Hate), que começou a trabalhar com Elton em seu álbum homônimo de 1970. Um retorno à boa forma para ambos.

47. “Postcards From Richard Nixon” (2006)

A faixa de abertura de The Captain and the Kid, o álbum conceitual autobiográfico de Elton John de 2006 sobre sua longa parceria com Taupin, é um flashback para o início dos anos 70, quando eles estavam deslumbrados com o sucesso nos EUA e em ascensão, enquanto um presidente supostamente criminoso estava em declínio. “A little camouflage and glue to mask the evil that men do” (ou, em tradução livre: “Um pouco de camuflagem e cola para mascarar o mal que os homens fazem”), canta Elton, fantasiando sobre Richard Nixon dando as boas-vindas à dupla na América, acrescentando: “I’ve gotta go but you can stay” (“Eu tenho que ir, mas você pode ficar”). Uma faixa menos conhecida com um toque de Randy Newman, refrescantemente fora do padrão.

46. “I Feel Like a Bullet (In the Gun of Robert Ford)” (1975)

Taupin certa vez descreveu essa comparação exagerada de “Rock of the Westies ” como uma “canção de amor traiçoeira”. Ao escrever sobre mais uma união fracassada — neste caso, seu próprio casamento — Taupin criou uma balada de assassinato como metáfora, que se desenrolou através da melodia incongruentemente doce de Elton e do falsete intensamente torturado. Um delicioso solo de slide guitar à la George Harrison, executado por Davey Johnstone, parceiro de longa data de Elton, foi a cereja do bolo. Lançada como um single de lado A duplo em 1976 com “Grow Some Funk of Your Own“, a música alcançou as primeiras posições da Billboard Hot 100 dos EUA e chegou até o 21º lugar na parada Easy Listening, apesar do tom inquietante.

45. “All the Girls Love Alice” (1973)

Taupin afirma que esta canção foi inspirada no filme britânico de 1968, The Killing of Sister George, uma releitura mais sombria de uma comédia teatral de sucesso e à frente de seu tempo, que retrata um relacionamento sáfico disfuncional. O filme, impactante ainda que questionável, que contou com uma jovem Susannah Yorke no papel de Alice, tornou-se um clássico do cinema cult. Esta canção é ainda mais sombria. Mas, deixando de lado os estereótipos trágicos sobre pessoas LGBTQ+, trata-se de uma canção ousada e corajosa em termos temáticos, e Elton (que a descreveu sem rodeios em sua autobiografia como “uma canção sobre uma lésbica de 16 anos que acaba morta no metrô”) a interpreta com uma empatia convincente em meio à narrativa cinematográfica de seu marco de 1973, Goodbye Yellow Brick Road.

44. “Teardrops” com k.d. lang (1993)

Elton fez inúmeras gravações memoráveis ​​em dueto e em parceria com artistas como Kiki Dee, Mary J. Blige, Eminem e Nicki Minaj. Ele se aprofundou no pop pas de deux pela primeira vez em seu álbum Duets, de 1993. O disco abre com essa colaboração com kd lang, uma alma gêmea de John com uma voz deslumbrante, em um cover do sucesso de 1988 de Womack and Womack, que ele e lang transformam em um luxuoso retorno à era disco, com arranjos de cordas, cortesia do guru do jazz-pop de gala, Arif Mardin. A voz de Elton se mistura perfeitamente com o soul cintilante de lang, que estava impressionantemente fora de seu estilo habitual e impecável.

43. “Song for Guy” (1978)

Em raras ocasiões, Elton compôs músicas inteiramente sozinho, sem um letrista. Certo domingo, nos anos 70, “melancólico e de ressaca”, como confessou em sua autobiografia, “escrevi uma música instrumental que combinava com meu humor e fiquei cantando um verso por cima: ‘Life isn’t everything’ (A vida não é tudo). Na manhã seguinte, descobri que um rapaz chamado Guy Burchett, que trabalhava para a Rocket [Record Co.], havia morrido em um acidente de moto praticamente ao mesmo tempo em que eu estava compondo a música, então a chamei de ‘Song For Guy‘”. Uma melodia de piano elegante e melancólica que cresce ritmicamente ao longo de quase sete minutos em meio a acordes de sintetizador ondulantes, essa foi a faixa de destaque de A Single Man. E, embora a música seja uma exceção em seu catálogo, tornou-se um sucesso europeu anos depois e uma das favoritas de seu amigo Gianni Versace — um estilista estelar que sabe reconhecer o excesso barroco de bom gosto quando o vê, ou, neste caso, quando o ouve.

42. “Skyline Pigeon” (1969)

A primeira grande canção de Elton, do seu álbum de estreia, Empty Sky. Para seu primeiro single, no entanto, sua equipe escolheu “I’ve Been Loving You“, uma composição inicial relativamente brega, sugerindo um sucesso radiofônico de pop chiclete acima da média. Mas, após mais algumas tentativas derivadas, ele escreveu “Skyline Pigeon” com Taupin. Foi uma inovação estilística, com uma ambição poética e sofisticação melódica que, segundo Taupin, fez a dupla “sentir que tínhamos virado a página”. Elton ficou igualmente entusiasmado com o fato de “não conseguir pensar em ninguém com quem a música se parecesse — tínhamos finalmente criado algo que era nosso”. A versão original, tocada no cravo com toques de órgão, foi lançada em 1969 em Empty Sky, um álbum gravado sob a influência de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, dos Beatles. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (embora menos do que Regimental Sgt. Zippo, o álbum de Elton de 1968 que ficou engavetado e foi finalmente lançado em 2021). Haveria muitas versões, mas a melhor talvez seja a do próprio Elton — a versão orquestrada com foco no piano, gravada durante as sessões de Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player, que apareceu no lado B do sucesso “Daniel“.

41. “Oceans Away” (2013)

Outro destaque de The Diving Board é esta peça praticamente solo. “O piano de Elton [fornecia] a pulsação do álbum”, escreveu Taupin em suas memórias. “[Ele] é um músico magnífico, e é uma pena que, às vezes, sua fama e sua personalidade extravagante ofusquem esse fato.” Esta elegia, com seu tom processional, evoca imagens de veteranos caídos e dos sobreviventes de cabelos brancos da Grande Geração partindo rumo ao pôr do sol. Lirica e musicalmente, é o ponto alto de um álbum do qual ambos se orgulhavam. “Sou terrivelmente crítico das coisas que escrevi e raramente fico 100% satisfeito, mas em The Diving Board há uma essência literária na maioria do trabalho”, escreveu Taupin. De fato, nenhum disco de Elton John soa exatamente assim.

40. “Gone to Shiloh” com Leon Russell (2010)

A longa obsessão de Elton pelo sul dos Estados Unidos atingiu seu ápice com a mudança para Atlanta nos anos 90, onde manteve uma residência base nos EUA por décadas. Após o lançamento de seu álbum de 2006 com temática sulista, Peachtree Lane, ele colaborou com seu ídolo Leon Russell em um álbum ainda melhor, com raízes semelhantes: The Union, indiscutivelmente seu melhor álbum do século XXI. Esta canção narrativa sobre a Guerra Civil é a joia da coroa do álbum, com letras escritas por Taupin em parte durante uma viagem a Savannah, Geórgia, onde ele estava absorto em pensamentos sobre a sangrenta Marcha para o Mar de 1864, liderada pelo General William T. Sherman. O resultado foi uma narrativa no estilo de “The Night They Drove Old Dixie Down“, com Elton, Russell e o convidado especial Neil Young, cada um cantando um verso.

39. “I’ve Seen the Saucers” (1974)

Esta pérola do álbum Caribou triangula os Beatles, David Bowie e o próprio “Rocket Man” de Elton, revisitando temas de FOMO interestelar sob a perspectiva de um sonhador terrestre. Com floreios de guitarra glam rock, congas e um gongo, Elton contempla avistamentos de OVNIs, brinca com o duplo sentido de sua pronúncia de “flying in formation/ flying information” (“voando em formação/informação voadora”) no refrão e rima alegremente “static” com “satanic”. É a dupla de compositores em sua forma mais divertida e espacial.

38. “Have Mercy on the Criminal” (1973)

Randy Newman encontra Isaac Hayes nesta balada emocionante de Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player, com imagens de prisioneiros acorrentados fugindo do cativeiro enquanto cães os perseguem. A introdução em crescendo da seção de cordas, arranjada pelo grande orquestrador Paul Buckmaster, é uma das passagens de abertura mais intensas do catálogo de Elton, e o heroísmo da guitarra elétrica de Davey Johnstone remete a “Layla” com um toque de “Yer Blues“. Uma favorita dos shows ao vivo que Elton reviveu para sua lendária turnê com a Orquestra Sinfônica de Melbourne, que ajudou a realçar o drama gótico sulista da canção.

37. “Crocodile Rock” (1973)

Outro destaque de Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player, uma homenagem profética ao rock and roll kitsch do final dos anos 50 e início dos 60, que estava prestes a ressurgir: a trilha sonora tripla de platina do filme American Graffiti foi lançada ainda naquele ano, e o programa de TV de sucesso Happy Days começou a ser exibido em 1974. Uma performance deliciosamente selvagem, divertida e irresistível, ainda mais notável pelo fato de Elton estar lutando contra a mononucleose durante as gravações. É possível ouvir ecos de canções clássicas na estrutura da música — e, infelizmente para Elton, algumas pessoas ouviram o suficiente do sucesso de Pat Boone de 1962, “Speedy Gonzales” (nota: o refrão “la la la la la”), a ponto de processá-lo por violação de direitos autorais. O fato de a música ter se tornado o primeiro número um e o primeiro single de ouro de Elton, no entanto, amenizou provavelmente o golpe.

36. “Elderberry Wine” (1972)

Com todo o respeito a “Crocodile Rock”, o lado B é a faixa mais roqueira de Don’t Shoot Me I’m Only the Piano Player — uma canção glamourosa e melancólica sobre solidão, turbinada por metais e a progressão de acordes marcante de Elton, no estilo de Fats Domino. Um clássico dos shows ao vivo, abriu a apresentação que coroou a carreira de Elton em 7 de setembro de 1973, no Hollywood Bowl, precedida por uma introdução extravagante da estrela pornô Linda Lovelace e a soltura de dezenas de pombas brancas de cinco pianos de cauda multicoloridos, cujos tampos levantados formavam a palavra ELTON. Nasce uma estrela extravagante.

35. “Hercules” (1972)

O slide suave de Davey Johnstone, à la George Harrison — especialmente impressionante vindo de um guitarrista que nunca havia tocado guitarra elétrica antes — e ecos de “Rainy Day Women”, de Bob Dylan, distinguem mais um dos grandes rocks de Elton. Gravado no Château d’Hérouville durante as sessões de Honky Chateau, o álbum marcou o início de uma nova abordagem para a produção musical, como Elton recordou em sua autobiografia: “Foi a primeira vez que tentei gravar um álbum com minha banda de turnê em vez de músicos de estúdio renomados; a primeira vez que Davey pegou uma guitarra elétrica; a primeira vez que tivemos dinheiro para gravar no exterior, em um estúdio residencial.” Sua confiança cresceu tanto, aliás, que ele mudou legalmente seu nome de Reg Dwight para Elton Hercules John. “Sempre achei que nomes do meio eram um pouco ridículos, então fiz a coisa mais ridícula que consegui imaginar e peguei o meu do cavalo do catador de trapos e ossos da série Steptoe and Son“, escreveu ele, “deixando Reg Dwight para trás [e] me tornando completamente a pessoa que eu deveria ser.”

34. “Amoreena” (1970)

Assim como Berlin (1973), de Lou Reed, um álbum escrito antes mesmo de Reed visitar a Alemanha, Elton e Taupin compuseram seu ótimo álbum conceitual de Americana de 1970, Tumbleweed Connection, antes mesmo de visitarem os EUA, inspirados por filmes de faroeste, pelo sucesso de Marty Robbins sobre a região fronteiriça, “El Paso“, e pelas canções da The Band. Uma das primeiras jams mais funk de Elton, “Amoreena” é a primeira música a apresentar sua futura dupla de ritmo, Dee Murray e Nigel Olsson, com a guitarra grooveada do lendário músico de estúdio Caleb Quaye. Nunca lançada como single, tornou-se uma favorita do catálogo — o empresário de Elton no início de sua carreira, Ray Williams, deu o nome de sua filha em homenagem à música, e o Phish até abriu um show memorável com ela no verão de 1997.

33. “My Father’s Gun” (1970)

Em suas memórias, Taupin descreve a primeira vez que ele e Elton encontraram Bob Dylan, nos bastidores do Fillmore East em 1970, quando Elton estava fazendo a abertura do show de Leon Russell. “Foi depois do acidente de moto dele, e Bob Dylan estava com a mesma aparência do Dylan de Woodstock e Nashville, barba por fazer, cabelo curto e encaracolado, e aquele sorriso entre um ar de malícia e uma timidez cultivada. Ele nos elogiou pelo álbum Tumbleweed Connection e, em particular, disse que gostava muito da letra de ‘My Father’s Gun‘.” A reação de Elton àquele primeiro encontro com seu ídolo supremo, como ele mesmo relembrou em suas memórias, foi basicamente: “Que porra está acontecendo? ” Com uma linha de guitarra elétrica suave serpenteando pela música como uma cobra-d’água, metais melancólicos ao estilo Dixieland e vocais de apoio com sonoridade gospel de um coro que incluía as rainhas do soul Madeline Bell e Dusty Springfield, Elton canta sobre barcos a vapor descendo para Nova Orleans como se tivesse navegado neles a vida toda — a imaginação é uma coisa poderosa.

32. “This Song Has No Title” (1973)

Esta joia de ritmo médio de Goodbye Yellow Brick Road — seguindo “Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding“, “Candle In the Wind“, “Bennie and the Jets” e a faixa-título — é o momento “caramba” do disco, quando você se pergunta se há alguma canção menos que brilhante em todo o LP duplo (há, mas não muitas). Um retrato do artista como um jovem aspirante faminto, é uma das melhores canções já escritas sobre querer inalar todo o conhecimento e experiência que a vida tem a oferecer, versos ansiosos com um refrão tipo Beatles de música de câmara, tudo embrulhado num pacote organizado de dois minutos e meio. (Observação lateral: Goodbye Yellow Brick Road foi derrubado dos top 100 na atualização mais recente dos 500 Maiores Álbuns de Todos os Tempos desta revista, e alguns de nós gostaríamos de uma recontagem.)

31. “Philadelphia Freedom” (1975)

Com uma letra que faz referência a “Papa Was a Rolling Stone“, dos Temptations, e uma música que remete ao soul da Filadélfia da época, este sucesso marca a primeira incursão de Elton no proto-disco, com cordas e uma batida implacável em 4/4. Inspirada pelas trilhas sonoras das pistas de dança dos clubes gays de Nova York que ele frequentava, a canção foi um dos primeiros sucessos do disco mainstream, gravada no verão de 1974 e alcançando o primeiro lugar nas paradas na primavera de 1975. Segundo Elton, é “uma das poucas músicas que encomendei para o Bernie. Normalmente, eu o deixava escrever letras sobre o que quisesse — tínhamos aprendido que não conseguíamos compor sob encomenda na época em que tentávamos escrever singles para Tom Jones ou Cilla Black e fracassávamos miseravelmente — mas Billie Jean King me pediu para escrever uma música tema para o time de tênis dela, o Philadelphia Freedoms.” Elton não pôde recusar, já que King era uma de suas melhores amigas. Taupin, no entanto, não estava muito interessado em escrever sobre tênis, então escreveu sobre a Filadélfia. O som soul da música, com influências da Filadélfia, era tão autêntico que lhe rendeu um convite para se apresentar no principal programa de TV de música negra, o Soul Train — um dos primeiros artistas brancos a fazê-lo.

30. “Honky Cat” (1972)

Honky Château, o primeiro álbum de Elton a alcançar o primeiro lugar na Billboard Hot 100, era divertido e eufórico, com muitos toques de jazz — o violinista francês Jean Luc Ponty até fez algumas participações especiais para adicionar um toque autêntico de Hot Club. Essa faixa, que quase dá título ao álbum, também tinha uma pegada soul sulista/Muscle Shoals, com banjo de Davey Johnstone, o piano característico de Elton pulsando e metais de músicos franceses que, embora não falassem inglês, entenderam perfeitamente a música. Após o sucesso de “Rocket Man”, esse single consolidou a posição de Elton como um criador de hits a ser levado em consideração.

29. “Born to Lose” com Leonard Cohen (1993)

Esta versão exuberante e belíssima, com arranjos de cordas, do clássico de Ray Charles foi a escolha de Leonard Cohen para sua participação no projeto Duets de Elton John, e proporciona um verdadeiro estudo de contrastes. A música começa com órgão de igreja, piano e pedal steel entrelaçando a melodia sobre a bateria com vassourinhas, sob o verso inicial de Cohen. Em seguida, Elton entra com as cordas. A atmosfera não é muito diferente da versão do álbum Modern Sounds in Country and Western Music de Ray Charles, lançado em 1962, claramente a referência aqui. Mas quando os dois trocam versos no último verso, e Cohen canta em tom falado “Born to lose/And now, Elton, I’m losing you” (“Nascido para perder/E agora, Elton, estou te perdendo”) com seu característico ronronar de barítono, você sabe que está em um território diferente.

28. “Saturday Night’s Alright (For Fighting)” (1973)

Como Taupin se lembra, a letra desta música foi inspirada por memórias de um pub em Lincolnshire, Inglaterra, chamado Aston Arms, onde a cena no estacionamento aos sábados à noite ficava bem animada. “Aparentemente, agora existe uma placa lá indicando que foi ali que concebi a semente que germinou e se tornou nosso clássico irreverente. Não tenho certeza se isso é totalmente verdade, mas […] acho que muitas das referências devem muito a esse bar.” Com versos como “I’m a juvenile product of the working class/Whose best friend floats in the bottom of a glass” (“Sou um produto juvenil da classe trabalhadora/Cujo melhor amigo flutua no fundo de um copo”), esse rock de Goodbye Yellow Brick Road não destoaria em Quadrophenia, do The Who, lançado no mesmo mês. Mas a interpretação de Elton, com seus falsetes e “ooo-woo-woo-woo” no refrão, faz uma briga de bar soar mais como uma batalha de vogue. Curiosidade: o The Who acabou fazendo um cover da música no álbum tributo de 1991, Two Rooms: Celebrating the Songs of Elton John and Bernie Taupin.

27. “Take Me to the Pilot” (1970)

Uma jam inicial com um piano vibrante, imersa no som country-soul/gospel-rock pelo qual Elton era obcecado desde cedo. Um dos destaques de seu segundo álbum, Elton John, que lhe rendeu uma indicação a Melhor Álbum do Ano no Grammy de 1971, sua primeira experiência com uma cerimônia na qual ele faria aparições regulares nos anos seguintes. Lado A de um single com “Your Song” no lado B, e a balada marcante que a ofuscaria, “Take Me to the Pilot” permanece um de seus maiores sucessos — mesmo que nem Elton, nem Taupin soubessem o que diabos a letra significava. Os roqueiros country Brothers Osbourne trouxeram tudo isso de volta em 2018 no tributo com vários artistas Restoration: The Songs of Elton John and Bernie Taupin.

26. “Grey Seal” (1973)

Elton lançou essa ótima balada de andamento médio duas vezes, em duas versões bem diferentes. A primeira foi o lado B de “Rock and Roll Madonna”, um single único gravado durante as sessões de seu disco homônimo de 1970, na esperança de emplacar um sucesso. “Rock and Roll Madonna” nunca entrou nas paradas, mas a superior “Grey Seal” renasceria em Goodbye Yellow Brick Road. Elton removeu a introdução de piano elétrico, acelerou o andamento e abandonou o final orquestral etéreo em favor de um solo vibrante e cheio de funk de piano, guitarra e teclado, com ecos do recém-lançado Talking Book de Stevie Wonder. “Grey Seal” floresceria ainda mais nos palcos, tornando-se uma das jams ao vivo mais empolgantes de Elton em meados dos anos 70.

25. “I’m Still Standing” (1983)

As sessões de gravação deste megahit, realizadas no estúdio de George Martin em Montserrat, reuniram a Elton John Band pela primeira vez desde Captain Fantastic de 1975, com o interesse de Elton por sintetizadores e synth-pop levando a música a novos rumos. Ele a descreveu em sua autobiografia como “uma grande, arrogante e confiante afronta”, direcionada à sua nova gravadora, a Geffen, com quem tinha problemas. Mas coincidiu com o auge de seus excessos com drogas e álcool, que culminaram, segundo Elton, em uma lendária noite de apagão e loucura movida a cocaína, que começou inocentemente durante as filmagens do videoclipe da música no sul da França, quando Simon Le Bon, do Duran Duran, convidou Elton para tomar um martini de vodca. Depois que Elton se recuperou, a música se tornou “sinônimo de um hino à sua obstinada busca pela sobrevivência”, de acordo com Taupin, que, na verdade, a escreveu como uma resposta a uma ex-namorada. Como muitas letras excelentes, elas se provaram infinitamente mutáveis. Quando Taron Egerton interpretou a música no filme de animação Sing, como Elton observou, ela conquistou “um público completamente novo e inesperado: de repente, havia crianças ouvindo-a e fazendo vídeos delas mesmas dançando ao som do refrão no TikTok”.

24. “Country Comfort” (1970)

Essa canção descontraída do álbum Tumbleweed Connection foi uma das primeiras músicas de Elton John mais regravadas, principalmente por Rod Stewart, que gravou uma versão para seu segundo álbum solo, Gasoline Alley, lançado antes da versão original de Elton nos EUA. Ele não ficou nada feliz, como relatou em sua autobiografia: “[Rod] mudou a letra, algo de que reclamei bastante na imprensa: ‘Parece que ele improvisou! Ele não poderia ter se distanciado mais da original nem se tivesse cantado “The Camptown Races”!’” (Apesar disso, os dois festejeiros logo se tornaram grandes amigos.) O grande cantor de soul sulista Brook Benton também a regravou, com menos controvérsia, assim como cantores country como Juice Newton, John Anderson e Keith Urban. Ainda assim, a versão de Elton continua sendo a referência, mesmo que alguns versos pareçam incongruentes vindos de um garoto criado na periferia de Londres.

23. “I Guess That’s Why They Call It the Blues” (1983)

Este destaque de Too Low for Zero, o álbum que tirou Elton da crise dos anos 80, foi escrito como uma declaração de amor de Taupin para sua esposa na época. Elton o interpreta com uma arrogância ardente e um toque de drama doo-wop, com Stevie Wonder adicionando uma gaita jazzística no final. Ao longo dos anos, a canção conquistou o coração de cantoras em particular. Mary J. Blige elevou a temperatura em um dueto no álbum ao vivo One Night Only de Elton, em 2000 (e na gravação de estúdio inédita), transformando o verso “rolling like thunder/Under the covers” em um orgasmo vocal múltiplo, enquanto a saudosa e genial Melanie transformou a música em uma arrebatadora bênção folk-rock.

22. “Can You Feel the Love Tonight” (1994)

Este single surgiu da colaboração de Elton John com o mestre do teatro musical inglês, Sir Tim Rice, em O Rei Leão. E embora Elton considerasse sua tarefa semelhante à de compor para um álbum conceitual como Capitão Fantástico, ele confessou em sua autobiografia suas dúvidas sobre o projeto: “Sabe, eu escrevi ‘Someone Saved My Life Tonight‘. Eu escrevi ‘Sorry Seems to Be the Hardest Word‘. Eu escrevi ‘I Guess That’s Why They Call It the Blues‘. E não havia como negar que eu estava escrevendo uma música sobre um javali que soltava muitos gases.” Essa música era “Hakuna Matata”. Esta era uma balada dramática titânica da Disney envolvendo um encontro romântico entre leões. A versão single de Elton a reumanizou, com Rick Astley e Kiki Dee, parceira de “Don’t Go Breaking My Heart”, adicionando vocais de apoio. A música fez sucesso; Beyoncé e Childish Gambino mais tarde fariam um dueto em um remake. No fim, Elton estava “incrivelmente orgulhoso” do projeto O Rei Leão, que teve um ótimo desempenho: o filme original se tornou um dos maiores sucessos de bilheteria de todos os tempos, e a versão teatral se tornou a produção teatral de maior sucesso na história da Broadway. Além de tudo isso, sua música ganhou um Oscar, a trilha sonora do filme vendeu mais de 18 milhões de cópias e, como bônus adicional, “manteve [ Voodoo Lounge] fora do primeiro lugar nos Estados Unidos durante todo o verão de 1994″, observou Elton em sua autobiografia, referindo-se à sua constante disputa com os Rolling Stones. “Tentei não ficar muito contente quando soube que Keith Richards estava furioso, resmungando por ter sido ‘derrotado por um desenho animado de merda’.”

21. “Empty Garden (Hey Hey Johnny)” (1982)

Este comovente hino no álbum Jump Up!, que de resto foi mal direcionado, foi escrito por Elton e Taupin sobre seu amigo John Lennon após seu assassinato em 1980. Taupin, devastado pela dor, praticamente se trancou em seu escritório por dois dias, trabalhando nos versos. “Era uma ótima letra”, observou Elton mais tarde. “Nada piegas ou sentimental — Bernie também conhecia John e sabia que ele teria odiado algo assim.” A música de Elton, construída sobre acordes simples de piano, apresenta lampejos do estilo de Lennon, crescendo poderosamente com cravo, sintetizadores e (numa reviravolta impressionantemente ousada) castanholas, transformando-se em uma homenagem mais emblemática do que lacrimosa. Permanece uma das canções favoritas do cantor, embora seja emocionalmente difícil tocá-la ao vivo. “Eu realmente amava John“, admitiu ele, “e quando você ama alguém assim, acho que nunca supera completamente a morte dessa pessoa.”

20. “Mellow” (1972)

Com versos como “wreckin’ the sheets” e “rocking smooth and slow” (“destruindo os lençóis” e “balançando suave e lentamente”), além daqueles agudos estridentes em falsete no final, esta é indiscutivelmente a música mais sensual de Elton. Taupin escreveu a letra em referência aos momentos íntimos com sua primeira esposa, Maxine Feibelman (também conhecida como “Tiny Dancer”). Elton a interpretou como um homem no cio, com clara admiração pelos floreios vocais de Ray Charles e Leon Russell. Gravada no Honky Château (Château d’Hérouville) na França, um país que sempre evoca sensualidade, a música “Mellow” desliza e desliza, incrementada com um solo de violino elétrico do filho nativo do jazz, Jean-Luc Ponty, tocado por uma caixa de som Leslie, razão pela qual soa um pouco como Garth Hudson, da The Band, tocando órgão. E embora a letra mencione apenas cerveja, continua sendo uma favorita previsível entre os fãs de cannabis.

19. “Mama Can’t Buy You Love” (1980)

O destaque do excelente, embora subestimado, EP The Thom Bell Sessions foi gravado com o saudoso e genial mestre do soul da Filadélfia e produtor, arranjador e compositor por trás de inúmeros clássicos dos Spinners, Stylistics e Delfonics. Se esta preciosidade soa como uma dessas canções, atribua isso ao amor de Elton pelo subgênero, bem como à própria música (escrita por LeRoy Bell, sobrinho de Thom Bell e parceiro de composição, e Casey James, também conhecidos como a dupla de soul Bell and James) e aos vocais de apoio, cortesia dos Spinners. As sessões terminaram com um gosto amargo (dizem que o produtor queria que Elton cantasse em um registro mais grave), mas o resultado foi simplesmente maravilhoso.

18. “Burn Down the Mission” (1970)

Outra canção criada sob a influência do álbum Music From Big Pink da The Band — que evoca imagens de resistência indígena, como a Revolta Chumash de 1824 no futuro estado da Califórnia — com um ritmo cadenciado e envolvente que cresce até um clímax empolgante antes de retornar a uma balada. Elton e a banda a estenderam a versões épicas ao vivo — confira a versão de 18 minutos lançada em 17-11-70, uma performance impressionante para uma transmissão de rádio ao vivo de 1970 que transita por trechos de “My Baby Left Me”, de Elvis Presley, e “Get Back”, dos Beatles, antes de finalmente se entregar. Como Elton disse à Rolling Stone em 2017: “Aquilo foi completamente improvisado, mais ou menos, e tenho muito orgulho disso: acho que é um dos melhores álbuns ao vivo já feitos”. E não é se gabar quando é a pura verdade, e a canção permaneceu um clássico ao vivo até a sua turnê Farewell Yellow Brick Road.

17. “Mona Lisas and Mad Hatters” (1972)

O “New York State of Mind”, de Elton John, cujos versos iniciais — com sua melancólica referência ao sucesso de Ben E. King, “Spanish Harlem” — foram escritos por Taupin em um quarto de hotel no centro de Manhattan durante sua primeira visita à Big Apple, em 1970, pouco após o letrista ter testemunhado as consequências sangrentas de um tiroteio policial da janela do quarto andar de seu quarto. A canção foi finalizada muitos meses depois, quando a perspectiva de Taupin havia melhorado consideravelmente. “Meu ‘sonho da lata de lixo’ se tornou realidade e ‘roseiras’ realmente ‘crescem na cidade de Nova York’”, ele escreveria em sua autobiografia. “A positividade escondida na letra emergiu após os dois primeiros versos. No fim das contas, trata-se de buscar a luz, e com a ajuda de ‘pessoas como você’, isso é possível.” Por sua vez, John contribuiu com uma bela melodia vocal que, juntamente com as partes de bandolim mediterrâneas de Johnstone, irradiava como o sol da primavera no Central Park.

16. “Goodbye Yellow Brick Road” (1973)

A faixa-título de um álbum que, surpreendentemente, foi amplamente criticado pela imprensa (inclusive por esta revista) e que figuraria entre seus dois ou três melhores álbuns. Em sua essência, é um álbum sombrio sobre os excessos da fama e os apetites humanos, com elementos autobiográficos. Não de Elton, porém. “[A letra] diz que eu quero deixar Oz e voltar para a fazenda”, disse Taupin a Andy Greene, da Rolling Stone EUA, em 2014. “Acho que esse ainda é o meu modo de pensar hoje em dia. Não me importo de sair por aí e fazer o que todo mundo está fazendo, mas eu sempre precisei de uma válvula de escape.” (Elton concordou: “Ele sempre foi o quieto e o mais ponderado. Eu sempre fui o que dizia: ‘Vamos sair!’”). A performance glamorosa de Elton, com seu refrão em falsete, é uma obra-prima de dissonância cognitiva — será que alguém mais conseguiria fazer um verso como “back to the howling old owl in the woods/Hunting the horny back toad” (“de volta à velha coruja uivante na floresta/Caçando o sapo-de-costas-cornudo”) soar tão ingênuo e perverso ao mesmo tempo? Uma narrativa antiga, a canção chegou ao top 10 em todo o mundo, impulsionando ainda mais o sucesso do álbum e garantindo que nem Elton, nem seu parceiro de composição voltariam para a fazenda tão cedo.

15. “Border Song (Holy Moses)” (1970)

Elton atribui a profunda alma desta canção à habilidade que adquiriu “acompanhando Patti LaBelle e [o veterano do R&B de Chicago] Major Lance” com sua banda Bluesology nos anos 60. Mas ele também menciona “uma influência clássica que se infiltrou em mim devido a todas aquelas manhãs de sábado em que fui obrigado a estudar Chopin e Bartók“. Ele também credita a audição obsessiva dos discos de Delaney e Bonnie, que contavam com seu ídolo do piano, Leon Russell (com quem ele gravaria décadas depois). A versão de Elton em seu segundo álbum, autointitulado, é emocionante, uma bênção ao piano solo que se constrói sobre cordas orquestrais e um coral, terminando com uma oração — “He’s my brother/Let us live in peace” (“Ele é meu irmão/Que possamos viver em paz”) — que permanece tão atual quanto sempre. Nunca foi um sucesso comercial, mas ele teve a satisfação de sua colega inglesa, ícone do R&B e também ícone queer, Dusty Springfield, se oferecer para dublar os vocais de apoio em sua apresentação no Top of the Pops. E toda a grandeza da canção foi revelada por ninguém menos que Aretha Franklin na versão gospel-pop grandiosa de seu álbum histórico de 1972, Young, Gifted and Black.

14. “Rotten Peaches” (1971)

Este destaque de Madman Across the Water mais uma vez mostrou a obsessão de Elton com a The Band, uma obsessão que ele compartilhava com Taupin (que, até onde se sabe, ainda considera Music From Big Pink seu álbum de rock favorito de todos os tempos). Como Elton confidenciou em sua autobiografia: “’Chest Fever‘, ‘Tears of Rage‘, ‘The Weight‘: era isso que ansiávamos compor”. Seus músicos de apoio evidentemente estudaram os mesmos textos, um futuro elenco estelar de britânicos, incluindo o tecladista Rick Wakeman (Yes), Terry Cox (Pentangle) e o deus da guitarra proto-punk Chris Spedding.“There ain’t no green grass in the U.S. state prison” (“Não há grama verde na prisão estadual dos EUA”), canta Elton sobre um piano honky-tonk e o slide melancólico de Spedding, evocando um presidiário que se fartou de “cocaína e pílulas”, fez as pazes com seus pecados e encontrou “a luz do Senhor”, o que ele ilustra no refrão melancólico e inspirador. É verdade que o sotaque sulista é um pouco duvidoso, mas a música é tão cativante e melodicamente envolvente que você mal percebe.

13. “Don’t Let the Sun Go Down on Me” (1974)

Uma das pouquíssimas “canções de amor no sentido tradicional” de Taupin, como ele mesmo observou em suas memórias, esta adorada canção foi inicialmente detestada por Elton John — tanto que ele mal conseguiu terminar a gravação e sugeriu descartá-la completamente (e repassá-la ao renomado comerciante de queijos Engelbert Humperdinck). Mas, como ele mesmo admite, nunca foi o melhor juiz de seu próprio trabalho, e a gravação de 1974 para o álbum Caribou alcançou o segundo lugar na parada Hot 100. Em 1991, seu dueto ao vivo com o amigo George Michael se tornou um sucesso ainda maior, liderando as paradas nos EUA, Reino Unido e em toda a Europa, arrecadando fundos para instituições de caridade de combate à AIDS e outras causas.

12. “Don’t Go Breaking My Heart” (1976)

Este dueto luxuoso com Kiki Dee — uma artista britânica branca contratada pela Motown — foi inspirado em parte por duetos exuberantes de northern soul, como “Ain’t No Mountain High Enough“, de Marvin Gaye e Tammi Terrell. Ele e Taupin escreveram mais de uma música para a colaboração — outra, segundo a autobiografia de Elton, “se chamava ‘I’m Always on the Bonk‘: ‘Eu não sei com quem estou transando, eu não sei quem estou chupando, mas estou sempre na pegação'”. A escolha foi óbvia, embora Taupin, extremamente avesso à “música pop superficial”, como seu parceiro a define, não fosse fã de “Don’t Go Breaking My Heart“. Mas ele provavelmente passou a gostar da música quando ela chegou ao topo das paradas musicais em ambos os lados do Atlântico, dando a Elton seu primeiro número um no Reino Unido e se tornando um dos singles mais vendidos do ano. Desde então, tornou-se um clássico das rádios de música antiga, um sucesso estrondoso que os detratores adoram odiar. No entanto, seu estilo extravagante é tão irresistível que quase todo mundo adere. E o remake euro-disco de Elton com RuPaul leva essa extravagância a uma velocidade vertiginosa.

11. “Bennie and the Jets” (1973)

Irmão de outra mãe de Ziggy Stardust, Bennie era outro dos alter egos de Elton. Taupin baseou o personagem em Maschinenmensch, o robô sexy de Metrópolis, de Fritz Lang; a história — uma narrativa pop para fãs, comparável a “Stan“, do Eminem — seria contada sobre uma batida de piano enganosamente pesada e pulsante em 4/4. Elton era totalmente contra lançá-la como single nos Estados Unidos (“Lutei com unhas e dentes contra a gravadora: é uma música muito estranha, não se parece com nada que eu já tenha feito, tem cinco minutos de duração”, ele relembrou). Mas depois que DJs de rádio negros em Detroit começaram a tocar a faixa do disco Goodbye Yellow Brick Road, houve uma reconsideração. Acabou não só como um sucesso número um na Hot 100, mas também entrou no top 20 das paradas de soul. “Foi surreal ver meu nome entre os singles de Eddie Kendricks, Gladys Knight e Barry White”, escreveu Elton em sua autobiografia. “Talvez eu não tenha sido o primeiro artista branco a fazer isso, mas posso afirmar com alguma certeza que fui o primeiro de [ do subúrbio londrino de] Pinner.” As versões cover se multiplicaram: Biz Markie a interpretou com os Beastie Boys; Q-Tip fez uma versão de um verso em “Solid Wall of Sound”, do A Tribe Called Quest, com a ajuda de Busta Rhymes e Jack White; Miguel a apresentou com um falsete incrível e Wale no refrão. Mas a interpolação de “Deep Inside” por Mary J. Blige reina absoluta, uma versão tão boa que Elton a gravou com ela.

10. “The Bitch Is Back” (1974)

A abertura de Caribou talvez seja o maior rock direto de Elton. É também, efetivamente, seu hino, uma explosão orgulhosamente autodepreciativa de arrogância que piscava para sua base de fãs queer, em um hino do rock and roll adequado para qualquer um corajoso o suficiente para usar a coroa. Reza a lenda que a esposa de Taupin, Maxine, cunhou a frase do título em resposta a um dos acessos de mau-humor de Elton, e seu marido aproveitou a ideia em letras ainda mais personalizadas para seu amigo. É uma obra-prima de alternância de códigos linguísticos — versos como “comer carne na sexta-feira, tudo bem” e “eu fico chapado à noite/Cheirando potes de cola” evocam inevitavelmente a cultura gay (observe o cheiro de cola do nitrato de amila “poppers”), mas se encaixariam perfeitamente em uma música dos Ramones ou do The Who. O som e o espírito remetem a predecessores do rock queer como “Queen Bitch” de Bowie e “Vicious” de Lou Reed, e, nos anos seguintes, Tina Turner e Miley Cyrus manteriam a música como um juramento. Mas a original nunca envelhece.

9. “Madman Across the Water” (1971)

Rivalizando com “Tiny Dancer” como a música mais deslumbrante do primeiro grande álbum de Elton, esta faixa-título exibe os saborosos harmônicos do violão de Davey Johnstone, que se tornaria seu parceiro de longa data na guitarra. Elton espelha sua melodia delicadamente dedilhada no piano, e a canção se abre em um abismo cinematográfico. O arranjo de cordas brilhantemente insano de Paul Buckmaster não poupa esforços, como Gil Evans em uma jornada alucinante com peiote, e quando Elton brada “água” no refrão como se estivesse caindo em um poço, envolto em eco, a seção de cordas espirala para baixo com ele. Muitos pensaram que a música foi escrita sobre o presidente americano Richard Nixon após o escândalo de Watergate — incorreto, segundo Taupin, embora a letra sempre atual evoque alguém se desmoronando aos olhos do público. A obra-prima musical do álbum, atingiu sua plena grandiosidade nos palcos em 1986, quando Elton fez uma turnê com a Orquestra Sinfônica de Melbourne. “Microfonamos cada instrumento da orquestra individualmente, algo que ninguém jamais havia feito antes”, recordou ele em suas memórias, “e o efeito foi surpreendente: quando as cordas entraram em ‘Madman Across the Water‘, foi de tirar o fôlego.” Aumente o volume da versão de estúdio e o efeito continua o mesmo.

8. “Someone Saved My Life Tonight” (1975)

A letra deste destaque de Captain Fantastic and the Brown Dirt Cowboy, sobre escapar por um triz de um relacionamento tóxico, foi escrita sobre uma mulher com quem Elton quase se casou antes de completar 21 anos, “uma rainha dominadora” que Taupin descreve “sentada como uma princesa empoleirada em sua cadeira elétrica”. (“Bernie não gostava dela nem um pouco”, observa Elton em sua autobiografia — é, sem dúvida.) Outra demonstração magistral de como Elton transmite imagens sombrias (“laço pendurado nos meus piores pesadelos”) com uma doce libertação melódica, a música também simboliza uma história codificada de um homem homoafetivo que se recusa a viver uma mentira, com a libertação do cantor brilhando na coda, notas em falsete coroando cada repetição do título. E esse título não era exagero: Elton havia simulado um pedido de socorro enfiando a cabeça em um forno com o gás ligado, após o que Taupin o arrastou para um pub, onde Elton foi incentivado por seu amigo de longa data, o músico Long John Baldry, a viver sua verdade como um homem gay. Essa epopeia de mais de seis minutos alcançou o quarto lugar na Hot 100, mas seu legado como um hino de sobrevivência e camaradagem foi maior do que qualquer parada musical poderia medir. Seria um dos pontos altos de seu lendário show de 1980 no Central Park, em Nova York, sem dúvida assistido por muitos fãs que entendiam exatamente o que Elton queria dizer.

7. “Candle in the Wind” (1973)

A interpretação de Elton da narrativa de Nasce Uma Estrela nesta canção consegue ser simultaneamente melancólica e espetacular, com vocais corais que remetem a um culto religioso — um funeral para um amigo, de fato, para citar o título da versão instrumental de Goodbye Yellow Brick Road que a precede (veja abaixo). Inicialmente, Taupin imaginou a frase-título deste hino melodioso — que apresenta algumas das melodias mais belas de Elton — sendo usada como uma referência póstuma a Janis Joplin; ao moldar os temas cinematográficos do álbum, ele tinha originalmente o ator Montgomery Clift como tema da canção, mas acabou optando por Marilyn Monroe, a co-estrela mais conhecida de Clift. Um sucesso no Top 10 tanto no Reino Unido quanto nos EUA, a canção foi reimaginada como “Candle in the Wind 1997” em homenagem à Princesa Diana após sua morte — essencialmente uma encomenda da família real. Com nova letra de Taupin, Elton a apresentou durante o funeral de Diana na Abadia de Westminster, gravando-a no mesmo dia com a produção do maestro dos Beatles, George Martin. O single beneficente vendeu um número enorme de cópias em todo o mundo. Mas a versão original continua sendo a definitiva, o último painel de um tríptico de abertura que está entre as mais grandiosas sequências de abertura de qualquer álbum de rock.

6. “Funeral for a Friend/Love Lies Bleeding” (1973)

A abertura conjunta de Goodbye Yellow Brick Road é ​​um dos momentos supremos do rock progressivo, com seus acordes envolventes de sintetizador ARP, os riffs glam de Johnstone e a fenomenal performance de Elton ao piano. Frequentemente usada como abertura de shows em meados dos anos 70, com o nome de Elton piscando em neon azul acima dele, a faixa instrumental de abertura era uma tentativa impressionantemente macabra de compor músicas que ele gostaria que fossem tocadas em seu próprio funeral, completa com efeitos sonoros de vento no cemitério. Solene a princípio, depois galopando para a fúria do rock and roll de “Love Lies Bleeding“, era um lamento brilhante que explodia em uma cerimônia pomposa, reforçando uma lição fundamental do catálogo de Elton John: mesmo grandes tragédias não excluem o fabuloso.

5. “Your Song” (1970)

“Bernie me deu a letra de ‘Your Song‘ durante o café da manhã um dia […] e eu compus a música em 15 minutos”, escreveu Elton em sua autobiografia sobre a facilidade com que seu primeiro clássico a ser gravado na história surgiu — acrescentando a ressalva de que foi tão rápido porque “já tínhamos feito todo o trabalho duro”. Esse trabalho incluiu anos de estudo na Royal Academy (“muito contra a minha vontade”, acrescentou), anos de shows com sua banda de R&B, Bluesology, e muitas tentativas frustradas com Taupin. A melodia aqui parece respirar, e a gravação é tremendamente íntima e calorosamente coloquial — o “heh” de Elton, inserido pouco antes da transição para “então, de novo, não”, é uma das maiores interjeições do pop do século XX, comparável ao “ha!” de Lou Reed em “Sweet Jane” do Velvet Underground (versão Loaded). “Your Song” se tornou um de seus primeiros cartões de visita. Brian Wilson, que Elton considerava “um dos verdadeiros gênios da música pop”, cumprimentou o jovem cantor e compositor, deslumbrado, cantando a letra para ele. (A reação interna de pânico de Elton foi seu característico ” Que porra está acontecendo? “). Quando a cinebiografia Rocketman foi exibida no Festival de Cannes, a plateia irrompeu em aplausos na cena em que Elton compõe “Your Song“. E meio século depois, a canção permanece tão relevante quanto sempre — a garota-foguete Chappell Roan gravou sua própria versão no início deste ano.

4. “Daniel” (1973)

A balada mais comovente e misteriosa de Elton. Taupin a descreveu como “a música mais mal interpretada que já escrevemos”. Mas isso faz parte da sua magia. No auge da oposição ao envolvimento dos EUA na Guerra do Vietnã, inspirado por um artigo de revista que lera sobre a Ofensiva do Tet, Taupin queria escrever uma música que demonstrasse empatia com os veteranos que retornavam — “O soldado honesto no campo de batalha” que “não tinha muita escolha a não ser ir [servir] quando o chamado chegou”, escreveu Taupin em sua autobiografia, “sem brechas, sem lealdade cega, apenas preso obedientemente na teia da época”. Escrita do ponto de vista de um jovem que observa seu irmão mais velho partir para a batalha, Taupin admitiu em sua autobiografia que, refletindo sobre a letra, a música era “um pouco confusa”. Como Elton observou, muitos pensaram que era “uma espécie de descrição codificada de um relacionamento gay”. (“Ninguém reparou em nenhuma das músicas que Bernie escreveu nos anos 70 que realmente faziam alusão à minha sexualidade”, observou ele ironicamente. “Todo mundo se apegou a uma que não tinha absolutamente nada a ver com isso.”) Mas se a expressão desinibida do amor entre homens, desenrolada sobre melodias caribenhas suaves, fez com que pessoas LGBTQ+ se sentissem representadas e homofóbicas se sentissem desconfortáveis, melhor ainda. “Essa é a beleza de compor músicas”, escreveu Taupin. “Deixar que os ouvintes usem a própria imaginação e tirem suas próprias conclusões, é metade da diversão. É como arte abstrata. O que essas configurações de cores significam para você? O que elas estão dizendo? Muitas vezes, as interpretações que as pessoas fazem do meu trabalho são muito mais divertidas e engenhosas do que o conceito original.” Em todo caso, a cereja do bolo de Don’t Shoot Me, I’m Only the Piano Player teve grande repercussão — o single alcançou o segundo lugar na parada Hot 100 dos EUA, o quarto lugar nas paradas do Reino Unido, recebendo eventualmente a certificação de platina, e foi amplamente regravado, mais recentemente pelos mestres do indie-rock Real Estate.

3. “Levon” (1971)

Não, não é sobre Levon Helm (que Robbie Robertson afirmou odiar a música) — Bernie Taupin simplesmente gostava do som do seu nome. E, para constar, “Alvin Tostig” é um personagem fictício, embora o The New York Times tenha publicado uma coluna em 1966 discutindo o debate sobre a morte de Deus. Mesmo assim, Elton transformou a composição lírica “livre” de Taupin em uma epopeia orquestral sobre um jovem rico insatisfeito que anseia escapar das expectativas da família, com acordes e contramelodias surgindo em meio aos “balões de desenho animado” que o filho de Levon passa os dias enchendo. A canção, outro destaque do brilhante Madman Across the Water, teve um desempenho semelhante nas paradas, subindo lentamente após seu lançamento em 1971 até alcançar o 24º lugar na Hot 100 no início de 1972.

2. “Tiny Dancer” (1971)

Essa música, nossa vencedora por uma pequena margem na discussão sobre a melhor canção de Madman Across the Water, é um equilíbrio vertiginoso entre melancolia romântica, sensualidade, um toque country e a arrogância orquestral do rock progressivo. Um clássico das rádios de rock, ela renasceu no filme de Cameron Crowe de 2000, Quase Famosos, a versão ficcional de seus anos como um precoce jornalista adolescente desta mesma revista. Para ser honesto, até mesmo (e talvez principalmente) os veteranos da Rolling Stone estavam preparados para odiar o filme. Mas a cena no ônibus de turnê, quando os membros do Stillwater e sua equipe começam a cantar “Tiny Dancer” e Kate Hudson encosta a cabeça no ombro de Patrick Fugit após dizer a ele: “Você está em casa”, derreteu até os corações mais frios. “Aquela cena transformou ‘Tiny Dancer‘ em uma das minhas maiores canções da noite para o dia”, relembrou Elton em sua autobiografia, Me. “As pessoas se esquecem de que, quando foi lançada como single em 1971, foi um fracasso. Não entrou no Top 40 nos Estados Unidos, e a gravadora britânica simplesmente se recusou a lançá-la.” Talvez tenha sido em parte pela forma como a letra de Taupin, uma composição de mulheres de Los Angeles que ele conhecia, iluminou o romance cinematográfico e aventureiro da vida de um músico — “Piano man, he makes his stand/In the auditorium/Looking on, she sings the songs/The words she knows, the tune she hums” (“O pianista se destaca/No auditório/Observando, ela canta as canções/As palavras que ela conhece, a melodia que ela cantarola.”) Mas foi a melodia extremamente cativante de Elton, e sua interpretação inesquecível, que fizeram daquele momento um símbolo universal de todas as canções irresistíveis e alegres que ouvimos no rádio durante viagens de carro. A cena chegou a despertar uma melancolia em Elton que influenciou sua música dali em diante. “Acho que o filme, subconscientemente, plantou algumas ideias na minha cabeça sobre o tipo de artista que eu era naquela época, sobre como minha música era feita e como era percebida”, escreveu ele, “antes de eu me tornar absolutamente famoso.”

1. “Rocket Man” (1972)

Quando o astronauta da Apollo, Neil Armstrong, desfilou pela superfície da Lua em um evento ao vivo na televisão, em 20 de julho de 1969, o fato cativou a imaginação de compositores do mundo todo. David Bowie nos presenteou com “Major Tom” em “Space Oddity“, talvez sua melhor canção. E Elton John nos deu sua melhor canção, que surgiu magicamente durante seus ensaios no lendário Honky Château. “Bernie escrevia suas letras e as deixava para mim no piano. Eu acordava cedo, ia até a sala de jantar, via o que ele tinha criado e escrevia músicas enquanto tomava café da manhã. Na primeira manhã em que estávamos lá, eu já tinha três prontas quando a banda desceu as escadas em busca de algo para comer: ‘Mona Lisas and Mad Hatters‘, ‘Amy‘ e ‘Rocket Man‘… Foi fantástico, sentar juntos na sala de jantar do Château, ouvir uma música tomando forma ao nosso redor, experimentando ideias e sabendo imediatamente que eram as ideias certas.” E eram mesmo. O guitarrista Davey Johnstone usou um slide para adicionar “notas estranhas e solitárias que flutuavam ao redor e se afastavam da melodia”. As harmonias maravilhosamente sobrepostas subiam com elas, um coro celestial ambivalente acompanhando as meditações de Elton sobre ter cuidado com o que deseja, enquanto o personagem-título “está queimando seu pavio aqui sozinho”. Era uma metáfora oportuna que qualquer um que desse um grande salto para longe de escolhas seguras entenderia, com um subtexto chapado que chegou bem na hora em que a ressaca da era pós-hippie estava começando a bater forte. A música seria regravada de forma impressionante por artistas que vão de Kate Bush a Neil Diamond, de Heaven 17 a My Morning Jacket, de Little Big Town a Puscifer, de William Shatner a Puddle of Mudd — sem mencionar o fenômeno pandêmico Dua Lipa/Elton listado acima. Claro, “é solitário no espaço” — mas estamos todos juntos aqui, e a universalidade dessa música faz com que pareça menos solitário.

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