Rolling Stone EUA ampliou a lista dos 100 melhores guitarristas e violonistas de todos os tempos para 250
Rolling Stone EUA Publicado em 13/10/2023, às 13h19
Nesta sexta, 13, Rolling Stone EUA ampliou a lista dos 100 melhores guitarristas e violonistas de todos os tempos para 250! O ranking conta com diversas lendas da música mundial, como os brasileiros João Gilberto (142º lugar) e Rosinha de Valença (162º). A matéria ainda cita nomes importantes da música brasileira, como Sergio Mendes, Martinho da Vila, Maria Bethânia, Chico Buarque e Caetano Veloso quando fala sobre Gilberto e Rosinha.
Segundo o site, guitarristas costumam ser tão icônicos quanto os vocalistas das bandas em que tocam. Porém, o ranking mostra como deuses míticos da guitarra como Jimmy Page, Brian May e Eddie Van Halen são apenas uma parte da história, assim como o alcance da evolução da guitarra.
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Vale destacar como o ranking valoriza o peso em vez do sabor, a sensação em vez do polimento, a invenção em vez do refinamento, os que assumem riscos e os criadores mais do que os técnicos. Além de dar uma vantagem aos artistas que canalizavam quaisquer presentes que Deus lhes dava em ótimas músicas e álbuns revolucionários, e não apenas em músicas impressionantes. Veja alguns destaques abaixo:
Ele pode não ser o músico country mais virtuoso ou o mais tradicional, mas Keith Urban brilha pelo estilo sem esforço. Os riffs, ritmos e solos parecem se materializar tão naturalmente quanto o pensamento e ainda assim, de alguma forma, sempre elevam a música. "Eu adoro que as pessoas queiram ouvir a guitarra," afirmou Urban à Rolling Stone em 2015, "mas eu só penso na música… seja lá o que a música pareça querer."
Erin Smith, das pioneiros do riot grrrl, começou a tocar junto com discos do Beat Happening, uma banda conscientemente primitiva de cuddle-core com uma mulher na bateria. “Isso foi em 1987, e não apenas vi que as mulheres podiam tocar música, mas também que você mesma poderia fazer isso," disse.
H.E.R.permaneceu discreta o suficiente para ainda impressionar a cada grande aparição pública, como o Grammy ou o Super Bowl. A voz de H.E.R. é impregnada de R&B clássico, e ela adora uma balada fervilhante, mas a forma de tocar varia de sotaques delicados e fluidos até o rock de Prince.
“Também gosto de tocar violão como se estivesse cantando," disse ela ao Guitar World . “Às vezes gosto de cantar e tocar meus solos ao mesmo tempo… até harmonizando minha voz com meu violão.” Em 2021, a Fender criou um modelo Stratocaster exclusivo para H.E.R., tornando-a a primeira mulher negra a receber a homenagem.
Os acordes poderosos e brutais de Jones e os solos extravagantes e glamurosos dele eram um espelho perfeito para a provocação de Johnny Rotten - e um parâmetro para todos os criadores de barulho do punk-rock que se seguiram. O legado dele foi estabelecido com riffs indeléveis em um disco – Never Mind the Bollocks… de 1977 – que inspirou guitarristas de Slash a Billie Joe Armstrong. Como Jones disse a um jornalista durante os dias com os Sex Pistols: “Na verdade, não gostamos de música. Estamos no caos.”
Peggy Jones é conhecida como a “Rainha-Mãe da Guitarra” e por boas razões. A musicista nascida no Harlem gravou e tocou com ninguém menos que Bo Diddley no início da carreira, o que lhe valeu outro apelido, “Lady Bo”. Também treinada em ópera e dança, Jones trouxe um ouvido de técnico para a execução de blues.
Paul McCartney é uma lenda para muitas coisas – compositor, cantor, baixista, Beatle – é fácil ignorar o virtuosismo dele nas seis cordas. Mas Macca tocou muitos dos melhores solos de guitarra dos Fabs – o flash psicodélico de “Taxman” e “Sgt. Pepper”, a explosão de metal de “Helter Skelter”, o rock irregular de “Paperback Writer” e “Back in the URSS”.
Ele também tem o próprio estilo acústico folkie, como em “Blackbird”. Ele ainda brilha na guitarra, destruindo toda a sua joia McCartney III de 2020. Como ele disse em 2018: “Ainda estou emocionado por ter o privilégio de poder ir até um amplificador, ligá-lo, pegar minha guitarra, conectá-la e tocá-la bem alto”.
A estreia de Rosinha de Valença em 1963, um clássico alegre da bossa nova, revelou ao mundo o tom imaculado e técnica sem esforço no violão. Artista autodidata, de Valença mudou-se para o Rio na hora certa, conectando-se com Baden Powell e acompanhando a trágica diva Sylvia Telles em concertos que resumem o caráter boêmio da bossa.
Ela gravou dois discos sedosos com Sergio Mendes em 1965, depois se juntou ao sambista comovente Martinho da Vila. A carreira dela foi interrompida aos 51 anos por problemas de saúde, e ela faleceu em 2004, inspirando um álbum tributo com Maria Bethânia, Chico Buarque e outras estrelas brasileiras.
Quando o fundador da Rolling Stone, Jann S. Wenner, perguntou a John Lennon como ele se avaliava como guitarrista, Lennon respondeu: “Não sou tecnicamente bom, mas posso fazê-lo uivar e se mover. Eu era guitarrista rítmico. É um trabalho importante. Posso fazer uma viagem de banda."
Bob Dylan disse uma vez: “A primeira coisa que me despertou para o canto folk foi Odetta”. A revelação o levou a trocar sua guitarra elétrica pela mesma Gibson acústica de topo plano que Odetta empunhava com tanta firmeza nos cafés de Greenwich Village.
Usando o polegar para tocar notas de baixo e os dedos para escolher acordes e melodias com habilidade, ela alcançou a carga rítmica de vários instrumentos sozinha. Esta arte independente era paralela à intenção mais ampla de Odetta: representar a experiência feminina negra com dignidade. As músicas que ela cantou eram, ela disse uma vez, “uma história nossa... não em nossos livros de história”.
“Tem que ser muito silencioso para eu produzir os sons que estou pensando”, disse João Gilberto. Mas o som tranquilo do cantor e guitarrista brasileiro ecoou por toda parte, especialmente quando o álbum Getz/Gilberto, de 1964 , transformou a bossa nova em um sucesso global.
O estilo acústico de Gilberto mesclava ritmos de samba e acordes de jazz, transformando imediatamente a música do país dele e influenciando também gerações do pop e do rock. O canto frio e íntimo fazia com que a execução elegante parecesse enganosamente alegre, mas na raiz da música dele estava um forte senso de timing e uma habilidade em trabalhar com fluidez padrões melódicos intrincados.
“Aprendi tudo o que sabia com ele”, disse o titã da música brasileira Caetano Veloso, um dos muitos herdeiros dele.
Se Eric Clapton é “Deus”, então, para um certo segmento de aficionados das seis cordas, Steve Vai é “Deus Jr.” Nos anos 1970, ele foi transcritor e “guitarrista dublê” de Frank Zappa, executando com facilidade as impossíveis páginas pretas de notas de seu ídolo.
Nos anos 1980, Vai tornou-se o da conversa wah-wah com David Lee Roth , o do treino de guitarra de 10 horas, o da guitarra monkey-grip , o dos mil covers do Guitar World . Mas foi na década de 1990 que ele passou de herói de culto a líder de culto, tocando solos instrumentais elásticos e comoventes como “For the Love of God” e a funky “Bad Horsie”. Numa época em que o guitar hero estava morto, Vai ainda inspirava (e ainda continua) músicos iniciantes a aprender o que a palavra “frígio” significa.
Em 1987, Appetite for Destruction, do Guns N' Roses, fez do cartola e durão Saul “Slash” Hudson um herói da guitarra instantâneo. O dilacerante riff de abertura de “Sweet Child O' Mine” teria funcionado por si só, mas o som áspero e precipitado da execução em “Paradise City” e “Welcome to the Jungle” selou o acordo.
“Era um som rock & roll despojado comparado ao que todo mundo estava fazendo”, diz Slash. Ele poderia fazer riffs como Joe Perry e se entrelaçar, ao estilo dos Stones, com Izzy Stradlin. E solos líricos como a grandiosidade do topo da montanha de “November Rain” foram permanentemente atados à estrutura das músicas. “É difícil tocar esses solos de qualquer outra maneira”, diz Slash. “Vai soar errado.”
Não é surpreendente para alguém que cresceu adorando tanto o Kiss quanto os Melvins, que a abordagem de Kurt Cobain ao instrumento estava naquele terreno fértil entre o rock de arena e o indie punk. “Eu nunca quis cantar”, disse Cobain à Rolling Stone em 1994, relembrando os dias anteriores ao sucesso. “Eu só queria tocar guitarra base – me esconder no fundo e apenas tocar.”
Cobain conhecia bem um acorde poderoso (“In Bloom” e “Stay Away”), mas os solos dele sempre foram inventivos e pouco convencionais. Cobain preferia a textura e a crueza ao flash, e com ele, uma geração de roqueiros alternativos aprendeu que não é preciso ser um virtuoso para ser um guitar hero.
O futuro de Joan Jett como roqueira estava predestinado, ela explicou certa vez: “Quando eu tinha 11 ou 12 anos, finalmente tive coragem de dizer: 'Mãe, pai, quero um violão no Natal e não quero nenhum violão folk.'”
Provavelmente o único guitarrista formado em astrofísica, o guitarrista principal do Queen (e compositor frequente) é um aventureiro inteligente que está sempre em busca de novos efeitos. Um dos primeiros objetivos dele era “ser o primeiro a colocar harmonias adequadas de três partes [de guitarra] em um disco” – como os gritos orquestrados de seu solo em “Killer Queen”.
Com os Beatles, George Harrison levou o instrumento a um novo território, inovando e expandindo a cada disco. Ele não criou apenas o papel de guitarrista principal em uma banda de rock. Ele definiu o lugar da guitarra no coração da música pop.
Os Red Hot Chili Peppers nunca foram fáceis de definir musicalmente, e por isso podemos agradecer em grande parte a Frusciante, filho de um pianista da Juilliard. O guitarrista original da banda, o falecido Hillel Slovak, foi um artista difícil de seguir, mas Frusciante - que está agora no terceiro mandato com a banda - desempenhou um papel importante em arrastar os Chili Peppers para fora do gueto do funk branco e em mundos musicais próprios.
Sempre tocando a serviço da música, Frusciante deu aos Chili Peppers uma amplitude que eles não tinham antes. Essa paleta eclética deu aos álbuns do Chili Peppers como Californication e Blood Sugar Sex Magik uma variedade notável – e fez de Frusciante um dos guitarristas mais influentes e vitais da era do rock alternativo.
Metallica explodiu no mundo como demônios da velocidade, com o vocalista e guitarrista James Hetfield tocando em ritmos indutores de chicotadas, como o Black Sabbath tocado a 78 rpm, e o guitarrista Kirk Hammett pintando notas em qualquer lugar que pudesse.
Com raras exceções – Hendrix vem à mente, como sempre – as guitarras de rock durante os últimos 40 ou 50 anos soaram principalmente como guitarras de rock. Depois veio o Rage Against the Machine e o inovador de seis cordas.
Por mais que Zack de la Rocha descaradamente tenha jogado política na mistura e na nossa cara, Tom Morello fez o mesmo com a guitarra e os sons audaciosos que extraiu dela.A mistura de engenhocas e acordes estrondosos de Morello trouxe à mente heróis como Ron Asheton dos Stooges (em “Sleep Now in the Fire” do Rage), mas Morello adicionou uma coragem ainda mais aprimorada à sua forma de tocar.
Keith Richards sempre fez com que tocar guitarra parecesse fácil. O poder por trás dos maiores riffs de guitarra – “(I Can’t Get No) Satisfaction”, “Start Me Up”, “Brown Sugar” – é a simplicidade crua da técnica, a simetria das notas e o som inefável e sem esforço.
Ele tocou sem dúvida o maior solo de guitarra de balada poderosa da história (“Purple Rain”). Ele pode se divertir como Jimmy Nolen e Nile Rodgers, ou gritar como Eddie Van Halen. Assim como Bo Diddley, ele reimaginou o formato da própria guitarra – primeiro a “guitarra nuvem” amarela de meados dos anos 1980, e mais tarde a “guitarra símbolo” loucamente fálica, esculpida como o ícone que ele adotou brevemente como nome.
E embora tenha recebido muitas comparações com Jimi Hendrix, Prince viu as coisas de forma diferente: “É só porque ele é negro. Essa é realmente a única coisa que temos em comum”, disse ele uma vez à Rolling Stone EUA . “Se eles realmente ouvissem minhas coisas, ouviriam mais influência de Santana do que de Jimi Hendrix. Hendrix tocava mais blues, Santana tocava mais bonito.”
Tocar guitarra elétrica a vida inteira faz algo com você. Estou convencido de que toda aquela eletricidade percorrendo meu corpo me fez manter meu cabelo.
A fusão pioneira de blues, jazz e música latina de Carlos Santana foi apresentada ao mundo com uma apresentação espetacular em Woodstock. Foi igualmente poderoso 30 anos depois, quando Supernatural vendeu 15 milhões de cópias e ganhou nove Grammys.
Durante todo esse tempo, Santana simplesmente permaneceu supercool, conjurando melodias gloriosas com um pé no bairro e o outro em algum plano astral distante. Assim como Miles Davis, BB King e poucos outros músicos, Santana é o raro instrumentista que pode ser identificado em apenas uma nota.
O “Embaixador do Blues” era uma figura tão querida na música americana que é fácil esquecer o quão revolucionário foi o trabalho dele com a guitarra. Como disse Buddy Guy: “Antes do B.B., todo mundo tocava guitarra como se fosse um violão”.
Como uma mulher negra sexualmente fluida que impulsionou a música gospel para o mainstream, a irmã Rosetta Tharpe quebrou uma série de tabus. Antes mesmo do rock & roll existir, ela também praticamente inventou o conceito de guitar hero.
Bob Dylan se referia a ela como uma “força poderosa da natureza – uma evangelista que toca guitarra e canta”. Inspirada pelo jeito de tocar bandolim da mãe, Tharpe aprendeu a tocar violão na idade do jardim de infância. Quando ela começou a gravar discos, na década de 1930, ela claramente o dominava.
Jeff Beck nunca quis ser um guitar hero. Ele saiu dos Yardbirds, dissolveu o Jeff Beck Group (recusando um show em Woodstock) e deixou outras bandas fracassarem antes mesmo de se tornarem famosas. Mas por mais que Beck rejeitasse a fama, ele ainda queria tocar guitarra.
A técnica dele evoluiu rapidamente do domínio total do blues com os Yardbirds e o Jeff Beck Group para o uso de um wah-wah para fazer a entusiasmada Stratocaster cantar no instrumental “Beck's Bolero”. Constante criador de som, Beck encontrou inspiração no jazz fusion em meados dos anos 1970, optando por fazer da guitarra o foco total em Blow by Blow, um álbum instrumental que o encontrou sacudindo a barra, lançando notas graciosas e dobrando os tons das notas.
Se “Eruption” fosse tudo o que Eddie Van Halen já lançou, ele ainda teria garantido um lugar no panteão da guitarra. Com cascatas de som semelhantes a piano, batidas de dedo, bombas de mergulho que verificam o intestino e alvoradas semelhantes a trompete, ele mostrou ao mundo que a guitarra era capaz de mais do que qualquer um jamais sonhou naquele solo.
Mas a verdadeira magia do Van Halen foi como ele conseguiu pegar esses truques espetaculares e transformá-los em músicas que as pessoas gostariam de cantar junto: “Ain't Talkin' 'Bout Love”, “Dance the Night Away”, “Everybody Wants Some!! ”, “Jump” – músicas que combinavam as técnicas formidáveis do Van Halen de maneira melodiosa ao lado das letras gonzo de David Lee Roth.
Muito antes da formação do Led Zeppelin, Jimmy Page já havia causado um tremendo impacto no mundo do rock devido ao toque nos Yardbirds e ao trabalho como guitarrista de estúdio em toda a cena londrina. Quando ele tinha apenas vinte e poucos anos, Page foi o primeiro guitarrista chamado para tocar em discos do Who, the Kinks, Donovan, Marianne Faithfull e outros.
Mas em 1968, ele solidificou seu papel como um dos deuses da guitarra do rock de todos os tempos quando formou uma banda com o vocalista Robert Plant, o baixista John Paul Jones e o baterista John Bonham.
Chuck Berry não apenas inventou a guitarra rock & roll – ele a aperfeiçoou. Você pode ouvir tudo isso na introdução do clássico de 1956, “Johnny B. Goode”, quando ele inicia a música com um manifesto de seis cordas de 18 segundos, para o hino definitivo do guitar hero.
Ele descobriu como misturar o blues e a música country que amava, fundindo boogie-woogie e sotaque caipira no próprio estilo original de flash elétrico de alta velocidade. Em outras palavras, rock & roll. Cada tradição da música americana está em algum lugar na guitarra de Chuck Berry. Como disse o discípulo Keith Richards: “Chuck é o avô de todos nós”.
Jimi Hendrix acendendo a Fender Stratocaster dele no Monterey Pop é uma das imagens mais icônicas da história do rock. Ele era um showman que brincava com os dentes ou pelas costas. Mas por baixo de toda a teatralidade está o verdadeiro mestre do instrumento.
A carreira pode ter durado oito anos, mas os músicos passam a vida inteira estudando a técnica deslumbrante e o gênio improvisador do músico. Hendrix cantou, mas optou por fazer da guitarra a voz principal. Ele popularizou o uso do feedback, inventou a própria fusão de blues e psicodelia e influenciou o desenvolvimento do rock, metal, funk e muito mais.
Hendrix foi eloqüente não apenas na forma de tocar, mas também na maneira como falava sobre tocar. “O pedal wah-wah é ótimo porque não tem notas”, disse à Rolling Stone em 1968 . “Nada além de bater direto usando o vibrato e então a bateria toca e parece… não depressão, mas aquela solidão e aquela frustração e o desejo por algo. Como se algo estivesse chegando.”
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