Lista

Os 500 melhores álbuns de todos os tempos, segundo a Rolling Stone

Icônica lista de 2003 foi reformulada após 20 anos, incluindo nomes mais recentes

Redação

Publicado em 08/01/2024, às 14h16

COMPARTILHE

Lauryn Hill , Joni Mitchell, Marvin Gaye, Beatles e Prince (Fotos: Getty Images e reprodução)

Um guia de boa música, a tradicional lista dos 500 melhores álbuns de todos os tempos foi desenvolvida pelos nossos parceiros da Rolling Stone EUA em 2003. Em 2012, a publicação passou por pequenas alterações. Mas no final de 2023, ela foi repaginada,

Nomes como Beyoncé, Bad Bunny, Billie Eilish e Taylor Swift foram alguns dos que passaram a fazer parte da lista. Além dos vetranos já conhecidos das outras edições, como Michael Jackson, Nirvana e Beatles. Aqui separamos os 10 álbuns mais bem posicionados. Veja:

Lauryn Hill, The Miseducation of Lauryn Hill (1998)

O único álbum solo de Lauryn Hill já nasceu clássico. A obra que fez 25 anos em 2023 foi o último álbum de uma mulher negra a ganhar o Grammy de álbum do ano. Um reconhecimento mais que merecido, mas que expõe alguns problemas da indústria musical fonográfica. “Esta é uma indústria muito sexista”, disse Lauryn Hill à revista Essence em 1998. “Eles nunca darão o título de 'génio' a uma irmã.” No álbum, a artista que já era conhecida como uma das integrantes fdos Fugees não economiza na hora de mostrar todas as suas habilidades. “[Eu queria] escrever músicas que me emocionassem liricamente e tivessem a integridade do reggae, a batida do hip-hop e a instrumentação do soul clássico”, disse a cantora.

Bob Dylan, Blood on the Tracks (1975)

Bob Dylan certa vez apresentou a música de abertura deste álbum, “Tangled Up in Blue”, no palco, como se ele levasse 10 anos para viver e dois anos para escrever. Foi, para ele, uma referência à crise pessoal — o colapso do seu casamento com Sara Lowndes — que inspirou, pelo menos em parte, este álbum, o melhor de Dylan da década de 1970. Na verdade, ele escreveu todas essas canções folk-pop liricamente penetrantes e cautelosamente majestosas em dois meses, em meados de 1974. Ele estava tão orgulhoso deles que fez um teste privado para quase todo o álbum, do início ao fim, para amigos e colegas, incluindo Mike Bloomfield, David Crosby e Graham Nash, antes de editá-los em setembro — em apenas uma semana, com os membros. da banda de bluegrass Deliverance.

Prince and the Revolution, Purple Rain (1984)

“Acho que Purple Rainé a coisa mais vanguardista e 'roxa' que já fiz”, disse Prince à Ebony em 1986. Ele ainda era uma estrela em ascensão com apenas alguns sucessos quando teve a ideia audaciosa de fazer um filme baseado em sua vida, e fazer de seu próximo LP a trilha sonora do filme. Quando foi lançado em 1984, ele se tornou o primeiro artista a ter a música, o álbum e o filme número um na América do Norte. Mas Purple Rain foi muito mais do que uma grande trilha sonora de filme: foi uma prova do sonho de Prince de criar um Top 40 utópico, um lugar onde funk, psicodelia, heavy metal, grandes baladas e experimentalismo ousado pudessem coexistir. “Ouvir Purple Rain agora é como um álbum dos Beatles”, disse o tecladista Matt Fink, do Revolution, à Rolling Stone EUA logo após a morte de Prince em 2016. “Cada música é tão brilhante à sua maneira - todas tão únicas e diferentes.”

Fleetwood Mac, Rumours (1977)

Com Rumours , Fleetwood Mac transformou a turbulência privada em arte pública brilhante e melódica. Os dois casais da banda - o baixista John McVie e a cantora e tecladista Christine McVie, que eram casados; o guitarrista Lindsey Buckingham e o vocalista Stevie Nicks, que não estavam - se separaram durante as prolongadas sessões do álbum. Como John contou mais tarde à Rolling Stone EUA sobre a atmosfera durante a produção de Rumours : “Festas acontecendo por toda a casa. Incrível. Aterrorizante. Enormes quantidades de produtos ilícitos, metros e metros deste material miserável. Dias e noites continuariam indefinidamente.”

Nirvana, Nevermind (1991)

Uma história de sucesso instantâneo da década de 1990, o segundo álbum do Nirvana e seu incônico primeiro single, “Smells Like Teen Spirit”, surgiu do underground do Noroeste – a cena grunge nascente em Seattle – para tirar "Dangerous", de Michael Jackson do topo das paradas e tirar o hair metal do mapa. Poucos álbuns tiveram um impacto tão avassalador numa geração – uma nação de adolescentes que de repente se tornou punk – e um efeito tão catastrófico no seu principal criador. O peso do sucesso levou o já problemático vocalista e guitarrista Kurt Cobain a se suicidar em 1994.

Beatles, Abbey Road (1969)

“Foi um disco muito feliz", disse o produtor George Martin, descrevendo este álbum dos Beatles. “Acho que foi feliz porque todos pensaram que seria o último.” Na verdade, Abbey Road – gravado em dois meses durante o verão de 1969 – quase nunca foi feito. Em janeiro daquele ano, os Beatles estavam à beira do rompimento, exaustos e irritados um com o outro após as sessões desastrosas do abortado LP Get Back, mais tarde resgatado como Let It Be. Ainda assim determinados a sair com a mesma glória com que haviam encantado o mundo pela primeira vez no início da década, o grupo se reuniu novamente no Abbey Road Studios da EMI para fazer seu álbum mais polido: uma coleção de músicas soberbas cortadas com atenção ao refinamento. detalhes, depois seguiram juntos (especialmente no Lado Dois) com força conceitual.

Stevie Wonder, Songs in the Key of Life (1976)

Meses antes do término das sessões de gravação de Songs in the Key of Life, os músicos da banda de Stevie Wonder fizeram camisetas que proclamavam: “Estamos quase terminando”. Foi a resposta padrão para fãs casuais, executivos da Motown e todos que se apaixonaram pelas joias de Wonder do início dos anos 1970 — Talking Book de 1972, Innervisions de 1973 e Fulfillingness' First Finale de 1974 - e que esperaram dois anos pelo próximo capítulo. “Eu acreditava que havia muito a ser dito”, disse Wonder.

Na verdade, mais do que caberia em um álbum duplo – também estava incluído um EP bônus, um single de sete polegadas com mais quatro músicas das sessões. Songs, lançado em 1976, abrange uma incrível variedade de experiências de vida – desde a alegria vertiginosa de um bebê na banheira (“Isn't She Lovely”, apresentando os choros e risadas da filha pequena de Wonder, Aisha Morris) até tributos ao seu musical. heróis (“Sir Duke”) ao desânimo com a indiferença dos ricos (“Village Ghetto Land”). Wonder veio de todas as fontes musicais imagináveis – o extático “Sir Duke” faz referência a Duke Elington e Ella Fitzgerald, enquanto “As” apresentava Herbie Hancock na Fender Rhodes.

Joni Mitchell, Blue (1971)

Em 1971, Joni Mitchellrepresentou o ideal feminino da Costa Oeste - celebrado por Robert Plant como “uma garota com amor nos olhos e flores no cabelo” em “Goin' to California”, do Led Zeppelin. Era um status que Mitchell não pediu e não queria: “Eu disse, 'Oh, meu Deus, muitas pessoas estão me ouvindo'”, ela lembrou em 2013. “'É melhor eles descobrirem quem eles estão adorando. Vamos ver se eles aguentam. Vamos cair na real. Então escrevi Blue.”

Desde sua capa esfumaçada e introspectiva até sua abordagem totalmente desprotegida de composição, Blue é a primeira vez que qualquer grande artista de rock ou pop se abre tão completamente, produzindo o que pode ser o álbum definitivo sobre o rompimento e estabelecendo um padrão ainda incomparável para a poesia confessional em música pop. Usando instrumentos acústicos e sua voz que salta de oitava, Mitchell se retratou como uma pintora solitária, ansiosa para entender todo o seu desgosto. Ela reflete sobre relacionamentos e encontros passados, incluindo um chef de Creta (“Carey”) e luminares do rock como Graham Nash (“My Old Man”), Leonard Cohen (“A Case of You”) e James Taylor (“This Flight Tonight”), que ajudou em algumas faixas. Junto com sua melancolia romântica, Blue era o som de uma mulher aproveitando a liberdade romântica e sexual que era, até então, uma província exclusivamente masculina no rock.

The Beach Boys, Pet Sounds (1966)

“Quem vai ouvir essa merda?” O vocalista dos Beach Boys, Mike Love, perguntou ao gênio da banda, Brian Wilson, em 1966, enquanto Wilson tocava para ele as novas músicas nas quais estava trabalhando. “As orelhas de um cachorro?” Confrontado com o desprezo de seu colega de banda, Wilson fez limonada com limões. “Ironicamente”, observou ele, “a farpa de Mike inspirou o título do álbum”.

Latidos de cachorros – entre eles o cachorro de Wilson, Banana – são destaque entre os sons encontrados no álbum. Os Beatles fizeram questão de repeti-los em Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band - um reconhecimento de que Pet Sounds foi a inspiração para a obra-prima dos Beatles. Esse gesto na verdade completou um círculo de influência: Wilson inicialmente concebeu Pet Sounds como um esforço para superar o Rubber Soul dos Beatles . Com sua orquestração vívida, ambição lírica, ritmo elegante e coerência temática, Pet Sounds inventou – e em vários sentidos, aperfeiçoou – a noção de que um álbum poderia ser mais do que a soma de suas partes. Quando Wilson cantou “Não seria bom se fôssemos mais velhos” na magnífica música de abertura do álbum, ele não estava apenas imaginando um amor que poderia evoluir além do ensino médio, ele estava sugerindo uma nova identidade adulta para o rock. e rolar a própria música.

Marvin Gaye, What’s Going On (1971)

A obra-prima de Marvin Gaye começou como uma reação à brutalidade policial. Em maio de 1969, Renaldo “Obie” Benson, baixista dos Four Tops, assistiu à cobertura televisiva de centenas de policiais dominadores de clubes destruindo o Parque do Povo, um centro de protestos em Berkeley. Horrorizado com a violência, Benson começou a escrever uma música com o letrista da Motown, Al Cleveland, tentando capturar a confusão e a dor da época. Ele sabia que tinha algo grande em sua versão nascente de “What's Going On”, mas o resto dos Four Tops não estavam interessados, e os esforços de Benson para convencer Joan Baez a gravá-la também não deram certo.

Mas uma das maiores estrelas e vozes da Motown revelou-se mais receptiva. Gaye estava em um lugar sombrio e contemplativo, ferido pela morte de sua frequente parceira de dueto, Tammi Terrell, ansiando por cantar um material mais sutil e mais substantivo, e refletindo sobre as histórias horríveis de seu irmão Frankie sobre sua recente luta no Vietnã. Gaye estava ocupado escrevendo e produzindo um grupo chamado Originals e tentando descobrir o que viria a seguir. “Eu estava procurando uma ideia”, disse ele ao biógrafo David Ritz. “Eu sabia que havia mais dentro de mim. E isso era algo que nenhum executivo ou produtor musical poderia ver. Mas eu vi. Eu sabia que tinha que ir até lá.”

Depois de alguma hesitação, Gaye abraçou “What's Going On” e, com a ajuda do arranjador David Van De Pitte, elaborou uma versão da música que era mais jazzística e sofisticada do que qualquer gravação da Motown até o momento, sobrepondo cordas cinematográficas sobre a música sobrenaturalmente sinuosa de James Jamerson. linha de baixo e um groove polirrítmico. Gaye desencadeou uma de suas performances vocais mais espetaculares em uma carreira repleta delas, espalhando-se e improvisando em torno da melodia principal.