‘Eclipse’ propõe despertar feminino diante da violência e do machismo estrutural

Origem do projeto: feminino e o abismo humano

Djin parte de uma ideia de complementaridade para construir Eclipse: duas mulheres que, juntas, formariam uma espécie de unidade — não idealizada, mas tensionada por diferenças. “Elas são duas facetas de uma mesma mulher. Eu vejo muitas características da Nalu que faltam à Cleo, e a Cleo tem acessos que a Nalu não teve.”

Esse mergulho no feminino, no entanto, rapidamente se amplia para um território mais perturbador: a investigação da natureza humana e de suas contradições. O gatilho vem de um caso real que impactou profundamente a diretora. “Era um homem amoroso, encantador, mas que descrevia com detalhes como mataria a própria esposa. Isso me chocou muito. Como alguém pode ser tão encantador e, ao mesmo tempo, monstruoso?”

A partir desse choque, Eclipse se estrutura como um filme sobre fissuras — entre aparência e verdade, entre afeto e violência. “Eu queria entender até onde o ser humano é capaz de chegar, trazendo sempre esse olhar pelo feminino.”

Nalu e Cleo: duas facetas da mesma moeda

Na criação das protagonistas, Djin trabalha com contraste e deslocamento de expectativas. Nalu surge como uma recusa direta de arquétipos tradicionais. “Eu queria uma mulher que lidasse com a dor sem ser fragilizada, não vitimizada. Uma mulher que encara a dor com dignidade e poder.”

A escolha de torná-la indígena também parte de um gesto consciente de ruptura: “Eu quis sair dos estereótipos. Não uma mulher submissa, mas enigmática, que você não decifra de imediato.” Essa construção cria uma personagem de presença ambígua, quase indomável. Já Cleo ocupa um outro lugar — o da aparência de estabilidade. “Ela parece ter tudo: casamento, sucesso, uma vida estruturada. Mas isso também é uma construção.”

Assim, o filme articula as duas como espelhos imperfeitos: “Elas são duas facetas de uma mesma moeda.”

Elenco: a escolha de Guizé e Nomacce

A escolha de Sérgio nasce de uma memória persistente da diretora, que o viu no teatro antes mesmo de finalizar o roteiro. Ao escrever Tony, essa imagem retorna. “Ele tem esse lugar do magnetismo, da sutileza, mas também do perigo. Isso era essencial para o personagem.” Essa ambiguidade se traduz diretamente em cena: “Teve gente da equipe que achou que ia acontecer um feminicídio numa cena sem diálogo. Isso é a construção dele.”

Já Gilda surge quase como um encaixe imediato, durante o processo de escalação: “Foi como uma luva. Tanto que o personagem acabou ficando com o nome dela.” Para Djin, o ponto em comum entre os dois é a capacidade de expandir o material: “São atores que pegam o personagem e sempre acrescentam algo a mais.”

O entretenimento para falar do real

Ao falar sobre o impacto de Tony, Sérgio não hesita em afirmar que o personagem pode, sim, funcionar como um espelho desconfortável para o público, antes de aprofundar a ideia de que o filme opera menos pela explicação e mais pela sugestão. Para ele, o principal interesse está em “ser instrumento dessa história”, conduzindo o espectador “através da reflexão, através da pausa”, de modo que cada um possa “criar o Tony na sua própria cabeça”.

O ator relembra que o impacto começou já na leitura do roteiro — “eu já fiquei muito embatido” — e se intensificou quando Djin compartilhou a história real que inspirou o filme. “Aquilo mexeu muito comigo”, diz, apontando para a necessidade de acessar também “essas sombras”, trabalhando o personagem a partir de silêncios e contenções — “de muita pausa”.

Ele descreve o método do filme como uma espécie de condução indireta: “É um jeito de trazer pela mão, fingindo que é entretenimento, para mostrar o assunto real. Não esfregar na cara, mas ir de forma sutil.” O impacto, segundo ele, vai além da tela: “É um tema que está cada vez mais presente. E é possível que toque [o espectador] — que faça pensar nas relações próximas, na família.”